Escuchando a James Brown con Christian McBride

May 02, 2023

Como nuevo embajador de Qobuz, es un placer armar esta lista de reproducción personalizada de James Brown.

Sería demasiado fácil apilar una lista de reproducción de James Brown con canciones que se muestrearon en clásicos del hip-hop. Siento que es mi deber no solo como embajador de Qobuz, sino como embajador del legado musical del Sr. Brown, profundizar más de lo que normalmente vería o escucharía en la mayoría de los DSP.

Para empezar, James Brown hizo música bastante increíble mucho antes de "Papa's Got a Brand New Bag" y después de "Funky President". Entre esas dos canciones, de 1965 y 1975, respectivamente, se encuentran los cimientos del hip-hop y de casi todas las formas de la música dance estadounidense contemporánea. Pero también entre esas dos canciones (y más allá), se encuentra una plétora de "cortes profundos" dignos de mención que todo músico de jazz, musicólogo y fanático de James Brown debería disfrutar. Escogí algunos de esos cortes profundos.

Comencemos, ¿de acuerdo?

"Por favor, por favor, por favor" (grabado en 1955)

Me siento obligado a incluir esto. Si bien esto no es un corte profundo, es, literalmente, el comienzo del legado de James Brown. La primera canción que grabó.

"Mashed Potatoes USA" (grabado en 1961)

Líricamente, esta canción es bastante similar a su versión de "Night Train", grabada el mismo año. Brown, básicamente haciendo un estilo libre sobre su calendario de giras (al igual que en "Night Train"), nos da un presagio vocal de la nueva música que llegaría a crear unos años más tarde en la década.

"Tengo dinero" (grabado en 1961)

¡Habla de un presagio de lo que vendrá! Clyde Stubblefield y John "Jabo" Starks se han convertido en los bateristas más famosos y universalmente reconocidos del legado musical de James Brown. Fácil de entender, ya que tocaron la mayor parte de los mayores éxitos de Brown. Sin embargo, ambos siguieron los pasos de Clayton Fillyau. Como historiador del jazz, permítanme decirlo de esta manera, si Clyde y Jabo son Max Roach y Roy Haynes, entonces Fillyau es Kenny Clarke. El ritmo que toca Fillyau en esta canción es un estanque. Si pones esta canción en un DAW y la ralentizas, escucharás la semilla de "Get On The Good Foot", "Make It Funky", "There Was a Time" y más. Después de la salida de Fillyau de la banda de Brown en 1964, una de las amenazas favoritas de Brown para sus futuros bateristas fue: "¡Traeré a Fillyau de vuelta aquí y los arreglaré a todos!" Clayton Fillyau de Washington, DC, un héroe anónimo.

"Oh, cariño, no llores" (grabado en 1964)

Cuando escuché esta canción por primera vez cuando era niño, lo primero que pensé fue: "¡James está SANGINANDO en esto!" Siempre me ha encantado cuando Brown se mete en su bolsa de gospel de 6/8. Brown podría haber sido fácilmente un ministro pentecostal. Su voz es "sho' nuff bad" en este caso. Contrariamente al título del álbum original, esta pista no fue grabada en vivo. Fue grabado en el estudio con aplausos sobregrabados y el ruido de la audiencia agregado más tarde y luego agregado como una adición de último minuto al Pure Dynamite de 1964 en vivo. álbum.

"Sidewinder" (grabado en 1965)

No sabías que James Brown era un fanático del jazz, ¿verdad? Brown siempre entendió que tener músicos expertos en jazz haría que su banda no fuera una banda ordinaria de R&B. Durante sus conciertos a lo largo de los años 60, Brown siempre presentaba éxitos de jazz del día en su conjunto de órgano de apertura, como "Song For My Father" de Horace Silver y el éxito de soul jazz de Lee Morgan, "The Sidewinder". Brown siempre quiso ser Jimmy Smith.😂

"La cosa en 'G'" (grabado en 1962)

Más jazz directo del Rey del Soul. Para una supuesta banda de R&B, ¡se están moviendo fuerte en esto! Con Lewis Hamlin a la trompeta, Al "Brisco" Clark al saxo tenor, Brown al órgano, Les Buie a la guitarra, Bernard Odum al bajo y Jimmy Robinson a la batería. ¡Esta pista era digna de Prestigio! (Prestige era un sello de jazz popular que se apoyó mucho en el soul-jazz en los años 60).

"Bolsa gorda" (grabado en 1966)

La oruga conmovedora está comenzando a convertirse en una mariposa funky. La música se está volviendo abiertamente más funky. Para 1966, JB ya había trazado una línea en la arena con "Papa's Got a Brand New Bag", pero en esta pista, el enfoque está mucho más en el ritmo que en la estructura musical. Sí, existe una estructura, pero podemos sentir que el vampiro se vuelve más un factor. Solo de saxofón de Nat Jones.

"Tren nocturno" (grabado en 1967)

Brown fue considerado unánimemente como el que tenía el mejor espectáculo de música negra en el momento de su concierto en el Latin Casino en Cherry Hill, NJ, en enero de 1967. Esta es una versión absolutamente LLAMATIVA de "Night Train", pero no ¡Sin embargo, sé sobre esa rutina de comedia larga, tediosa y casi dolorosa en el medio! 😆

"Let Yourself Go (Instrumental Jam)" (grabado en 1967)

Esta es una historia innovadora aquí; déjame configurarlo. Para empezar, esto se grabó en el escenario después del show en el Latin Casino una vez que la audiencia se había despejado. Brown, para gran ira de la banda, lo hacía a menudo: los retenía en el concierto mucho después de que terminara para ensayar y, a veces, grabar. A menudo, la banda no salía hasta las 5 o 6 de la mañana. Pero en este caso, lo que se estaba ensayando pronto cambió la música. Esta es una de las últimas canciones de JB que utilizará una especie de estructura de canción antes de terminar con él haciendo un estilo libre sobre un vampiro, que, saliendo de una tradición góspel, era el estándar para los artistas de soul en ese momento. Es posible que reconozcas el vampiro final de esta melodía como lo que se convertiría en "Hubo un tiempo", pero hay más. La mayoría de los historiadores del funk y el soul citarán "Cold Sweat" como el primer capítulo del funk. El patrón de batería sutil, pero muy significativo, con su pop de caja y de cuatro (lo siento, un pequeño músico habla aquí...) estableció un nuevo estándar para la música negra. Cuando escuché a Clyde Stubblefield experimentar con el ritmo de "Cold Sweat" en "Let Yourself Go" unos cuatro meses antes de que se grabara, ¡me quedé boquiabierto! Curiosamente, la versión de "Let Yourself Go" que finalmente se grabó y lanzó no usa el ritmo de "Cold Sweat". Utiliza un ritmo básico de caja en los cuatro tiempos. Me pregunto si Brown aún no estaba convencido del patrón de caja poco convencional. ¿Quizás le gustó pero no pensó que encajaba con esta canción? No importa. JB y Clyde nos dan un anticipo del futuro, el futuro cercano, en esta grabación de ensayo.

"Kansas City (Live at the Apollo)" (grabado en 1967)

James Brown hizo su show en vivo en sets. Para 1967, el espectáculo generalmente comenzaba con un conjunto instrumental de la banda (con Brown a menudo uniéndose al órgano), luego Brown hacía su conjunto de "calentamiento", cantando estándares y baladas como "I Wanna Be Around", "If Yo gobernaba el mundo", "Así es la vida", "Creo que tendré que llorar, llorar, llorar", etc. (No lo malinterpreten, JB era "Soul Brother No. 1", pero estaba tratando ¡por algo de ese botín de Las Vegas! 😆) Pero para darle a la multitud una pequeña muestra de lo que estaba por venir, a menudo terminaba su primer set con "Kansas City" de Lieber & Stoller. Puedo garantizar que cuando Jerry Lieber y Mike Stoller escucharon a Brown cantar su canción, ¡nunca pensaron que la escucharían así! Además, ningún baterista barajó nunca como Jabo Starks. ¡Dios mío, ese hombre podía bailar!

"It's A Man's, Man's, Man's World (Live at the Apollo)" (grabado en 1967)

Después de una primera serie de estándares, baladas y un adelanto de "Kansas City", realmente no esperarías que regresara para su segunda serie cantando otra balada, ¿verdad? No solo cantaría otra balada, sino que esta sería principalmente la única canción que cantaría durante ese segundo set. Sin embargo, el puro drama que pudo mantener y luego construir durante casi 15 minutos es pura genialidad. Nunca, nunca se vuelve aburrido.

"Get It Together" (grabado en 1967)

Este siempre ha sido uno de mis favoritos personales. Es la inspiración detrás de mi canción, "Gettin' To It". También es interesante escuchar un ritmo de tambor 3-2 soul-clave. ¿Qué es un ritmo de batería "clave de alma"? Un baterista de soul sureño interpretando ritmos latinos😆. Pero esta canción también ha sido una de mis favoritas de todos los tiempos porque Brown, en la segunda mitad de la canción, se está divirtiendo mucho con la banda, casi ensayando para que el mundo la escuche. "St. Clair, no te voy a pedir que toques, Jack, ¡porque tu cuerno es demasiado grande! ¡Hombre, tienes demasiado cuerno allí!"

"Tengo el sentimiento" (grabado en 1968)

Clyde Stubblefield está MUY FRIO en esto. En enero de 1968, cuando se grabó esto, no había ningún baterista tocando así, en una banda como esta, dirigida por un hombre como James Brown. Brown y su banda, sin duda, lideraban el grupo por una milla country cuando esta canción llegó al spanet.

"Shades Of Brown" (grabado en 1968)

Brown atacando ese órgano otra vez. Cuando le puse esta canción por primera vez a mi querido amigo, el difunto gran Joey DeFrancesco, todavía estábamos en la escuela secundaria. Lo probé con los ojos vendados. Él dijo: "Sé que ese no es Jimmy [Smith]. ¿Es ese [Jimmy] McGriff?" James Brown se habría sentido halagado. En realidad, no, se habría sentido insultado de que Joey no pensara que él era Jimmy Smith😆. Esta melodía es otra mezcla aleatoria para que James pueda tocar. Nota interesante: cada vez que Brown necesitaba un swing de blues o jazz shuffle, John "Jabo" Starks era su baterista favorito. Esta vez, deja que Clyde Stubblefield se lo quede. Clyde les muestra a todos que también puede rockear el shuffle.

"Licking Stick - Licking Stick", "There Was A Time" (grabado en vivo en Dallas, TX. 26 de agosto de 1968)

En mi humilde opinión, se podría decir que el verano de 1968 vio a James Brown en la cima de sus poderes en el canto, la influencia social (ya que "Say It Loud - I'm Black and I'm Proud" se lanzó en agosto), y sorteo de taquilla. Se podría decir lo mismo de su banda. Esas experimentaciones rítmicas de 1967 en "Let Yourself Go", "Cold Sweat" y "Get It Together" florecieron por completo e influyeron en toda la música que los rodeaba en el verano de 1968. Motown estaba comenzando a seguir el ejemplo de Brown, así como Registros del Atlántico. Los músicos de jazz no podían ignorarlo y Brown lo sabía. Por estas razones, puedo decir que, sin duda, mi grabación en vivo favorita de James Brown es el álbum del que derivan estos dos temas, Say It Live and Loud: Live in Dallas, 08.26.68. ¡La banda está en FUEGO, la voz de James es FUERTE y la audiencia se está volviendo LOCA! Eso es lo que llamarías una trifecta. Esta versión de "There Was A Time" es simplemente alucinante. Una de las pocas pistas en las que puedes escuchar la contribución de ambos bateristas: Clyde Stubblefield en el kit completo, Nate Jones tocando casi un patrón de caja secundario. Es asombroso cómo Brown dejó que este álbum en vivo permaneciera en el estante durante casi 30 años.

"No quiero que nadie me dé nada (abre la puerta, lo conseguiré yo mismo)" (grabado en 1969)

Tal vez hayas escuchado a Bootsy Collins o George Clinton describir que el elemento más importante del funk es "the one", que Bootsy aprendió directamente de Brown. No hay mejor ejemplo de un grupo de músicos presionando el primer tiempo de cada compás que este. La forma en que Clyde Stubblefield, el bajista Charles Sherrell y el legendario guitarrista Jimmy Nolen chocan en ese D7#9 a lo largo de la pista es casi como una bola de demolición que aplasta un edificio. ASÍ es como acentúas el "uno", de hecho. Por cierto, ¿has notado el arma secreta en tantos de los éxitos de Brown hasta ahora? Los solos de saxofón de Maceo Parker. Es tanto el MVP de esta pista, y muchas de las otras, como la sección rítmica.

"Give It Up or Turnit A Loose" (grabado en 1968)

La versión de esta canción que se ha convertido en la más popular es la que se grabaría dos años después, en 1970, con Clyde Stubblefield a la batería y los hermanos Collins, Bootsy y Catfish, al bajo y la guitarra, respectivamente. Esa versión se ha convertido en un elemento básico en la comunidad de DJ / hip-hop debido al desglose directo y desagradable de batería y bajo que tocan Clyde y Bootsy. Sin embargo, esta versión original de 1968 presenta un funkster anónimo en el baterista Nate Jones. Por un breve momento entre la primavera del 68 y la primavera del 69, John "Jabo" Starks vio menos tiempo de juego en el concierto. Clyde estuvo registrando la mayor parte del tiempo de juego, ya que el funk absoluto de la música de Brown encajaba perfectamente con el estilo de Clyde, pero Brown siempre mantuvo al menos dos bateristas, no solo por razones musicales (sensaciones diferentes para diferentes canciones), sino también debido a la producción total por espectáculo es demasiado para un solo baterista. Nate Jones se convirtió en el segundo baterista por un período de un año. Para mí, se siente un poco como Clyde, pero con el toque de Jabo. Algunos buenos ejemplos más de Nate Jones con Brown están en el álbum Say It Live and Loud y en el sencillo de 1969 "She's The One". También puede ver a Jones jugando con Brown en YouTube: la aparición de enero del 69 en The Mike Douglas Show (donde Brown lleva el cuello de pico azul) y, lo más famoso, el episodio de marzo del 69 de The Hollywood Palace, presentado por Sammy. davis, jr.

"Ain't It Funky Now" (grabado en 1969)

No estoy seguro de que alguna vez hayas llamado a este atasco una "canción" o una "melodía". Es simplemente un vampiro sin letra y un extraño 10 compases... "¿puente?" Pero, para mí, no hay mejores improvisaciones de James Brown que aquellas en las que deja que la banda haga lo suyo mientras hace solicitudes, comentarios, opiniones y otras declaraciones. No hay nada más entretenido, ESPECIALMENTE cuando se trata de uno de los solos de órgano de JB. Ahmir "Questlove" Thompson y yo solíamos recitar el diálogo de Brown de esta canción casi palabra por palabra durante nuestros años de escuela secundaria. Tantas gemas aquí:

"Kush, deberías estar avergonzado de ti mismo. ¡Deja en paz a ese cuerno pequeño!" "¡Tranquilizarse!" "¡Déjame entrar en mi thang!" "Ayer, Clyde". "No te metas tanto, Jab. ¡Jab! ¿Por qué quieres meterte tanto, hermano?" "Déjalo rezumar".

Y este intercambio:

Brown: "Dime, Jabo... hermano. ¿Te gusta?"

Jabo: "Sho' es funky ahora".

Marrón: "¿Te gusta?"

Jabo: "¡Está funky ahora!"

Brown, riendo levemente: "Buen Dios. ¿Te gusta?"

Jabo: "Siiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii

Marrón: "¡JA! ¡JA! ¡JA!"

😆🤣😂

A pesar de lo entretenida que es esta pista, hubo un hecho en esta época que resquebrajó los cimientos de la banda. Desencadenaría un efecto dominó lento pero constante: el corazón y el alma de la unidad, Pee Wee Ellis, se resignaron.

"Give It Up or Turnit a Loose", "Mother Popcorn" (grabado en vivo en Augusta, GA, 1 de octubre de 1969)

Es el verano de 1969 y la estrella de Brown brilla más que nunca. Se ha convertido en todo un portavoz y empresario. Compró un restaurante, creó "Black and Brown Stamps" (que eran como sellos de asistencia pública), compró dos (más) estaciones de radio, actuó en el baile inaugural de Nixon, tenía una columna mensual en Soul Magazine... el hombre estaba rodando. Para celebrar toda esta buena fortuna, Brown decidió grabar un álbum en vivo en su ciudad natal de Augusta ese octubre. Sin embargo, sucedió algo gracioso. Melvin Parker, baterista y hermano mayor del saxofonista Maceo, regresó a la banda de Brown después de una temporada en el ejército. Con Clyde Stubblefield tocando en la mayoría de los éxitos de Brown entre el 66 y el 69, a Melvin, que había sido el baterista principal de Brown antes de Clyde y Jabo, se le devolvió su antiguo asiento sobre Clyde. A lo largo de Live at Home with His Bad Self, la mayor parte de la percusión que escuchará está hecha por Melvin, no por Clyde o Jabo. (Sí, ¡Brown ahora tenía tres bateristas en el escenario!) Mientras Melvin tocaba en las versiones originales de "Papa's Got a Brand New Bag" y "I Feel Good", no se podía negar que Clyde era la presencia principal en la música de Brown. punto de vista. Pero no me malinterpretes, ¡Melvin podría derribar! La forma en que Melvin entra en "Give It Up or Turnit a Loose" te da una "cara de mal olor" instantánea, y la forma en que mantiene la intensidad en "Mother Popcorn" es increíble. Es un buen argumento para el hombre que James Brown le dijo una vez a este escritor que era su "baterista favorito". (Poco después de este concierto, sin embargo, Clyde renunció. Haría un regreso breve pero significativo solo unos meses después).

"Canción de septiembre" (grabada en 1969)

Si aún no te has dado cuenta, a James Brown le gustaba mucho el jazz. Me refiero a que realmente me gustaba el jazz. Es más o menos lo que lo separó de sus compañeros. La mayoría de sus compañeros se esforzaron por ser grandes cantantes, James Brown se esforzó por ser un gran director de orquesta. Se inspiró en Cab Calloway, Louis Jordan, Basie, Ellington, Jimmie Lunceford, Little Richard, Bobby "Blue" Bland y Ray Charles. Hasta ese momento, había realizado varias grabaciones de jazz que no resonaban del todo entre sus fans más acérrimos del soul, ni tenían el nivel de Horace Silver/Art Blakey/Cannonball Adderley como para que los fans del jazz las tomaran en serio, pero estaba un improvisador vocal superior (o freestyler, para todos ustedes en el juego del rap). En mayo de 1969, en medio de su creciente popularidad, lanzó un álbum llamado Gettin' Down To It, [Vaya, ese título suena peligrosamente familiar], que presenta a Brown con un trío de Cincinnati liderado por el baterista Dee Felice. Estaba dirigido directamente al público de Sinatra/Sammy/Tony Bennett/Vegas, con canciones como "It Had To Be You", "Chicago", "All the Way" y "I Love You (for Sentimental Reasons)". Si hubiera hecho ese disco en Nueva York con, digamos, el trío de Tommy Flanagan o Barry Harris, habría sido muy diferente. ¿Fue James Brown un gran cantante de jazz? Joe Williams o Johnny Hartman no lo era, pero era absolutamente intrépido y tenía mucha alma; por eso, lo saludo. En noviembre, con sencillos candentes como "Ain't It Funky Now", "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing", "Let a Man Come In", "Mother Popcorn" y todas las palomitas de maíz... canciones derivadas temáticas que Brown escribió y produjo para Vicki Anderson, Hank Ballard, Bill Doggett y más aún en las listas de éxitos, Brown cargó un cañón y disparó su oportunidad más seria y ambiciosa de ser un cantante de jazz de buena fe. Soul On Top era un disco de big band que (supuestamente) no podía faltar, con Louie (Louis) Bellson, Oliver Nelson y Ray Brown como protagonistas principales. Hay muchas opciones de repertorio interesantes en todo momento, pero esta versión animada de la vieja castaña del musical de 1938 Knickerbocker Holiday difícilmente evocará pensamientos de Kurt Weill, Frank Sinatra o Nat "King" Cole. Al fin y al cabo, es ALMA… ¡encima!

"Hubo un tiempo (tengo que moverme)", "Hablando en voz alta y diciendo nada" (grabado en 1970)

"Poder del alma" (grabado en 1971)

"Sex Machine" (grabado en vivo en París, 8 de marzo de 1971)

En marzo de 1970, la noticia se extendió por toda la industria de la música como un reguero de pólvora: la Orquesta de James Brown renunció antes de una actuación en Columbus, GA, después de que no se cumpliera una lista de demandas. A partir de junio del 69, los miembros principales de la banda comenzaron a retirarse lentamente. Las nuevas aspiraciones elevadas de Brown como portavoz, hombre de negocios y... cantante de jazz, junto con su ego más furioso que nunca, hicieron que el espíritu de la banda decayera. Cuando ocurrió el motín, Pee Wee Ellis, Fred Wesley, Clyde Stubblefield, St. Clair Pinckney y Marva Whitney ya se habían ido. La mayor parte de las responsabilidades de la banda recayó sobre los hombros de Maceo Parker.

Sin embargo, Maceo y la banda (que quedó) estaban hartos de los ejercicios militaristas, los ensayos excesivos, los juegos mentales y el abuso mental de Brown. Llamaron infamemente a una reunión con Brown antes de ese espectáculo en Columbus, ventilando sus quejas y exigiendo un ambiente de trabajo diferente, entre otros detalles (aumentos de sueldo, no más ensayos después del concierto, no más multas, etc.) Brown, en la marca, dijo No. La banda dio media vuelta, empacó sus instrumentos y dejó a Brown sin banda 30 minutos antes de la hora del espectáculo. Brown, siendo el luchador maníaco, conspirador, intrigante e insuperable que era, tenía la sensación de que esto podría haber llegado, así que a partir del año anterior, había comenzado a vigilar a un grupo joven de músicos frescos y funky de Cincinnati llamados Pacesetters, con el guitarrista de 26 años Phelps "Catfish" Collins y su hermano pequeño de 18 años que toca el bajo, Bootsy. Entonces, cuando su banda lo dejó 30 minutos antes de la hora del espectáculo, hizo que Bobby Byrd hiciera una llamada telefónica a Cincinnati para localizar a los Pacesetters en un bar donde tenían un concierto semanal. Brown envió de inmediato su jet privado para recoger a los Pacesetters y llevarlos a Columbus para el concierto. El espectáculo comenzó con casi tres horas de retraso, pero lo que la audiencia perturbada vio esa noche fue a James Brown tocando su primer concierto con un grupo de músicos jóvenes y crudos a punto de cambiar el curso de la historia del funk.

Brown pronto los rebautizaría como JB. Durante los siguientes 12 meses, Brown superó su éxito en las listas del año anterior y cambió su sonido a uno aún más moderno, más fuerte y más fresco con himnos como "Sex Machine", "Super Bad" y "Get Up, Get Into It". , Involucrarse." Según los registros, Brown estaba en el estudio casi cada dos o cuatro semanas grabando con sus nuevas tropas: instrumentales, pistas para Bobby Byrd, Vicki Anderson y, por supuesto, el propio jefe. Con la interpretación virtuosa de Bootsy y Catfish, la incorporación del percusionista Johnny Griggs y, lo que es más importante, el (breve) regreso de Clyde Stubblefield, "I Got To Move", "Talkin' Loud and Sayin' Nothing", "Soul Power", " y "Sex Machine" (que, para que conste, todas cuentan con Jabo en la batería) son solo cuatro de una serie de bombas funk C-4 históricas hechas en ese lapso de 12 meses. Oh sí, ¿el mensaje de esta historia? Si crees que tienes acorralado a James Brown, no es así.

[El período previo a] "Escape-Ism" (grabado en 1971)

Bueno, tanto por esa nueva banda innovadora que Brown tuvo durante un año. 😂 Resulta que los derribó al igual que lo había hecho con su banda anterior. Una de las mayores diferencias entre lo que los fanáticos de JB llamamos la "banda Bootsy" y la "banda Pee Wee" era que Bootsy, Catfish y todos los otros veinteañeros de esa banda eran parte de la cultura de las drogas del amor libre que era dominante en ese momento. No tenían familias que mantener ni demasiadas responsabilidades no musicales, por lo que eran salvajes, locos y libres de fantasía. Cuando Brown lanzaba una de sus frecuentes diatribas enojadas, se citaba a Bootsy diciendo: "¡Nos reímos de él!" Esa insubordinación solo enfureció más a Brown, y luego lo desconcertó cuando se dio cuenta de que no podía meterse debajo de su piel. Nadie parece saber exactamente si la banda renunció o si Brown los despidió, pero después de solo 12 meses, Brown estaba buscando otra banda nueva.

Tal vez seis o siete meses después de la era Bootsy, regresó el trombonista Fred Wesley. Brown estaba muy feliz de verlo y le ofreció el puesto de director musical. Necesitaba un músico entrenado y con experiencia para equilibrar la energía bruta de los fogosos jóvenes. Pero también es imperativo mencionar que hubo un músico que no se unió a sus compañeros de banda durante ese infame motín de 1970: el baterista John "Jabo" Starks. Según Starks, fue uno de los únicos, si no el único miembro de la banda con quien Brown tuvo que tener un contrato personal. Jabo formó parte tanto de la banda de la era Pee Wee como de la banda de la era Bootsy, sin interrupción. Brown decidió construir su próxima banda alrededor de Fred y Jabo.

Según la autobiografía de Wesley, Hit Me, Fred: Recollections of a Sideman, solo tuvo un par de semanas para encontrarle a Brown una nueva banda, ensayarla y prepararla para una serie de conciertos. Cuando Wesley reunió con entusiasmo a algunos de los mejores músicos que conocía, Brown lo canceló abruptamente y dijo que había encontrado algunos músicos por su cuenta que quería que Wesley entrenara. Según Wesley, cuando escuchó a los músicos que contrató Brown, no quedó... muy impresionado; Wesley se sorprendió por el nivel de habilidad amateur de la mayoría de las selecciones de Brown. Sin embargo, esta era la banda con la que Brown quería trabajar, por lo que Wesley se vio obligado a intentar que los músicos principiantes sonaran como una banda digna de James Brown en cuestión de semanas. La primera grabación en vivo de esta banda es Revolution of the Mind: Live at the Apollo, vol. III, registrado apenas dos meses después de su mandato. James Brown sabía una cosa con certeza: que Fred Wesley era (y sigue siendo) un genio, porque de alguna manera reunió a estos aficionados y consiguió que sus niveles de funk se aceleraran rápidamente. Bienvenidos a la era de Fred Wesley, 1971–1975.

"Hot Pants Finale" (grabado en vivo en el Apollo Theatre, junio de 1971)

"Ahí está", "Ponte en buen pie" (grabado en 1972)

"The Payback", "Stone To The Bone", "Mind Power", "Papa Don't Take No Mess" (grabado en 1973)

"A sangre fría", "No puedo soportarlo '76 ′" (grabado en 1974)

Con la excepción de "Hot Pants Finale", ninguna de estas pistas son cortes particularmente profundos, pero dan un claro ejemplo de cuán poderosa era la música y la presencia de James Brown durante la era de Fred Wesley. En el '71 y el '72, tuvo un total de ocho éxitos Top Ten, claramente todavía en la cima de su juego. Por desgracia, es posible que todas las cosas buenas no terminen, pero sí son desafiadas. A fines del verano de 1972, Brown apoyó a Richard Nixon para la reelección. Para un hombre que hizo "Dilo en voz alta: soy negro y estoy orgulloso", un gran contingente de fanáticos de Brown estaba perplejo y enojado. Después del primer mandato de Nixon como presidente, quedó claro que no estaba del lado de los negros, entonces, ¿cómo podría Brown apoyarlo... otra vez? Casi instantáneamente, el récord de Brown y la venta de entradas sufrieron. Los fanáticos protestaron por sus actuaciones con letreros que decían, "James Brown = Payaso de Nixon" a "VENDIDO Hermano Número Uno". Pero Brown, siendo el hombre obstinado e indignado que era, se mantuvo inequívocamente por su elección. Una vez que sus fanáticos enojados se dieron cuenta de que la protesta no lo haría cambiar de opinión, Brown hizo lo que mejor sabía hacer: crear algo de miedo que ni siquiera un respaldo político inestable podría detener. Después de un lento 1973 (es decir, en las listas), Brown lanzó su sencillo más candente desde "Hot Pants". En enero del '74, se estrenó "The Payback". La pista fue tan innovadora que le dio a la carrera de Brown un nuevo aire. Cambió su apariencia con un nuevo bigote, actualizó su programa y de repente, así como así, fue como 1969 de nuevo. Sin mencionar que los miembros clave de la banda de la era Pee Wee de los años 60 regresaron: Maceo Parker, Jimmy Nolen, St. Clair Pinckney y "Sweet Charles" Sherrell. Era como en los viejos tiempos. Hmmmm... ¿viejos tiempos?

Algo más sucedió justo debajo de las narices de James Brown: se convirtió en un artista heredado. Algunos sienten que ser llamado "artista heredado" es un código para "viejo". Brown cumplió 40 años en 1973. Ciertamente no era viejo ni mucho menos, pero en ese momento, para un grupo demográfico que compraba récords, podría haberse considerado viejo. Los compradores de discos adolescentes no parecían seguir a los artistas que tenían la edad de sus padres. (Por otra parte, los artistas heredados tampoco se veían tan jóvenes como ahora.) Para el 73 y ciertamente para el 74, había una era completamente nueva de soul y funk: The Jackson 5; Kool y la pandilla; Tierra, Viento, y Fuego; Parlamento/Funkadelic; MFSB; Guerra; Mandril; BT expreso; barry blanco; Torre de poder; La banda Fatback; Rufus y Chaka Khan; Average White Band, y muchos más, fueron las nuevas y frescas voces del funk. Por unanimidad, nombraron a James Brown como una influencia principal. ¿Qué significó eso para Brown? Significaba que las niñas de entre 18 y 25 años ya no eran su audiencia principal. Ahora eran un poco más maduros. Brown nunca lo admitió, pero Fred Wesley, Maceo Parker y otros que lo rodearon a mediados de los años 70 sintieron que Brown había manejado mal la siguiente fase de su carrera. En lugar de sentirse orgulloso de ser el héroe imponente de toda una generación de nuevos artistas, mientras seguía llenando teatros y creando música importante él mismo, los consideraba amenazas a un trono que no tenían derecho a tener. Para Brown, le estaban robando descarada y conscientemente, como si todo fuera una gran conspiración.

Brown emprendió una campaña personal para "recuperar su sonido". Cuando Average White Band lanzó "Pick Up the Pieces" en 1974, Brown respondió grabando una pista instrumental con los JB llamada "Pick Up the Pieces, One By One", lanzada bajo el nombre falso de la banda Above Average Black Band. Cuando BT Express lanzó su sencillo de 1975, "Express", Brown respondió grabando una réplica casi exacta de su pista, llamando a su versión "(It's Not the Express), It's JB's Monorail". Cuando David Bowie lanzó su exitoso sencillo "Fame", Brown se puso tan furioso que le ordenó a Fred Wesley que copiara la pista de Bowie palabra por palabra, como había hecho con las pistas antes mencionadas. Brown escribió una nueva letra y la lanzó como un sencillo llamado "Hot (I Need To Be Loved, Loved, Loved, Loved)". Todos en el campo de Brown, particularmente Wesley, sintieron que Brown estaba perdiendo el control de la realidad. Pasó innumerables horas persiguiendo sencillos que sentía que sonaban como él, y si sentía que una canción tenía demasiado "James Brown", te perseguía. Su paranoia y arrogancia alcanzaron alturas increíbles (e insoportables). Wesley le rogó a Brown que dejara de preocuparse por lo que hacían los demás y que se concentrara en su propia fórmula a prueba de fallas. Según Wesley, "todavía estábamos produciendo algo de funk serio. Teníamos mucha gasolina en el tanque". De hecho lo hicieron.

"Te tengo (me siento bien)" (grabado en 1975)

Este no es el "Me siento bien" que crees que es. Durante el paranoico y despotricado 1975 de Brown, se las arregló para hacer dos últimos álbumes en solitario con los JB de la era de Fred Wesley, Sex Machine Today y Everybody's Doin' the Hustle & Dead on the Double Bump". magia izquierda. En Sex Machine Today, Wesley le da al clásico "I Feel Good" de Brown un cambio de imagen de cumpleaños de 10 años. ¡Es más funky, es más desagradable, es KILLER! (En otra nota, en este mismo álbum, Brown se va por dos y medio minuto sobre todos robándole y no dándole crédito en la canción, "Dead On It". No escogí esa canción para mi lista de reproducción porque sentí que aparte de su diatriba, no es una canción particularmente memorable. Pero Escúchalo. ¡Te puede gustar!)

"Papa's Got a Brand New Bag" (grabado en 1975)

Otro cambio de imagen genial de Fred Wesley para otro clásico de JB. Las líneas de viento, el ritmo, todo el arreglo es simplemente increíble. Podría haber sido tocado por la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra. Wesley realmente se destaca como arreglista en esto. En cuanto a Brown, la historia original de 1965 de "Papa's Got a Brand New Bag" era la de un hipster. Era fresco, limpio y sabía todo lo que estaba sucediendo en el bloque. ¿Un poco estafador, tal vez? Esta brillante reelaboración ahora tiene a Papá "Renunciando a las calles... ¡tomando un horario de nueve a cinco!" Genio. Pero, la racha traviesa y mezquina de Brown sale a relucir cuando le dice a su roca, Maceo Parker, "¡Maceo! ¡Ya no juegas como solías hacerlo!". De verdad, James???🤦🏽‍♂️

"Kansas City" (grabado en 1975)

El espectáculo de James Brown se presentó en el Madison Square Garden por segundo año consecutivo el 4 de julio de 1975. Charles Bobbit, gerente de JB durante mucho tiempo, le rogó a Brown que no alquilara la arena, sino el Felt Forum (el teatro más pequeño dentro de MSG) en su lugar. Sabía que Brown sufriría una pérdida financiera monumental al tratar de llenar la arena principal. El año anterior, apenas habían llenado el Garden y Brown estaba decidido a demostrar que podía hacerlo de nuevo. Se vendió menos de la mitad de la casa y Brown se volvió loco, culpando a todos, desde Bobbit hasta WBLS y su DJ Frankie Crocker, Polydor Records e incluso el Ayuntamiento de Nueva York. Nunca consideraría que simplemente ya no era 1968. Después de otra gran diatriba detrás del escenario, Fred Wesley golpeó una pared (¿literalmente, tal vez?) Y abruptamente abandonó el área, y James Brown, para siempre. Abarcaba oficialmente el final de la última "Era Dorada" de Brown. Después de Fred, Bobbit pronto se fue, junto con Maceo, Jabo, el baterista John Morgan, el bajista Fred Thomas y el guitarrista Cheese Martin. James estaba de vuelta al punto de partida una vez más.

Pero aproximadamente un mes antes de ese maldito concierto de MSG, JB grabó lo que resultó ser una sesión bastante profética. Llamó a los ex miembros de la banda a tocar con la banda actual para grabar un nuevo arreglo de "Kansas City". En esta versión, Brown parece más reflexivo que de costumbre. Tal vez sabía que los gatos se estaban cansando, o este era un último esfuerzo para recordarle a la banda, y a él mismo, su legado. Es una de mis canciones favoritas de JB. Fred tenía razón, les quedaba mucha gasolina en el tanque. Es una pena que terminara. Estoy seguro de que el funk de esta banda no solo habría resistido, sino que tal vez habría superado el huracán disco.

"Este sentimiento" (grabado en 1975)

Siendo un snob de James Brown anterior a 1976, incluso cuando era niño, nunca le di mucha oportunidad al álbum Get Up Offa That Thing. Sí, sabía que la canción principal se convirtió en un éxito, pero en mi opinión, si James Brown hizo un disco a mediados de los 70 sin Fred, Maceo y Jabo, no quería escucharlo. Por tercera vez en la carrera de Brown, nuevamente le dio la bienvenida al hermano mayor de Maceo, Melvin, para que asumiera el cargo de baterista principal. Así que incluso en el '76, había algo de sonido original de la vieja escuela en la banda. ¿Pero sería suficiente funk?

Un sábado por la noche alrededor de 2014 o 2015, estaba transmitiendo el programa de radio de mi amigo DJ Soul Sister desde WWOZ en Nueva Orleans y apareció una canción de James Brown que nunca había escuchado. Fue una reelaboración de "I Got a Feeling". Escuché a Fred, escuché a Maceo y me di cuenta de que probablemente era Melvin en la batería. Me quedé congelado frente a mis parlantes. ¿Qué canción de James Brown de mediados de los 70 podría haberme pasado por alto? Resulta que esta era una pista enterrada de Get Up Offa That Thing llamada "This Feeling". ¡Eso es lo que obtuve por no escuchar ese álbum todo el tiempo cuando era niño! ¡Esto es un gran trozo de funk! Resulta que esta canción se hizo en 1975 cuando Fred estaba reinventando y reorganizando algunos de los éxitos de los 60 de Brown. "This Feeling" podría haber estado (¿debería haber estado?) en el álbum Everybody's Doin' The Hustle & Dead on the Double Bump.

"Body Heat" (grabado en 1976)

Sí, sé que esto se grabó en 1976, pero siempre me ha gustado "Body Heat". Brown actualizó ligeramente su sonido. Lo que hace que este JB de la vieja escuela sea el siempre presente vampiro a prueba de fallas con guitarra scratch y el "puente" obligatorio, pero el sonido es diferente. La forma en que Brown grabó históricamente a su banda no fue diferente a la forma en que grabaron los músicos de jazz. Lo que tocaron en el estudio fue exactamente lo que escuchaste en el disco, con errores y todo. Más específicamente, ninguno de los bateristas de Brown usó más de un bombo de 20 pulgadas. Según los estándares del funk y el rock, eso fue taaaan jazzístico. (Escuche el tono agudo del bombo de Jabo en la aparición de Soul Train de enero de 1973 de JB. Suena como un bombo bebop). estaban usando, como mínimo, un bombo de 22 pulgadas y, a menudo, lo rellenaban con almohadas o algo para amortiguar el sonido, lo que, en el club, hacía que el bombo sonara como una frecuencia más fuerte que la vida. eso era para sentirlo, no para escucharlo. Los tambores programados de los años 80, que se convirtieron en el sonido del house, hip-hop, pop y EDM, imitaron el sonido de ese bombo "thud". Esto es lo más cerca que estuvo el sonido clásico de JB. El bombo y el bombo de Melvin tienen la fuerza de Hércules en esto. Ahora que lo pienso, es posible que Mutha's Nature de 1976 y 1977 no haya sido tan malo, después de todo. 😂 (¿Puedes creer que estoy diciendo esto, Ahmir? 😳😳)

Aparentemente, Prince era un gran admirador de todos los álbumes que Brown hizo durante la era disco como Jam 1980's, Take a Look at Those Cakes, Soul Syndrome, Nonstop!, People y (Dios no lo quiera) The Original Disco Man. El único disco que hizo Brown durante este período que me gustó fue Hot On the One, grabado en vivo en Japón a fines de 1979. Demostró que Brown seguía siendo un excelente intérprete en vivo con la banda más unida en el negocio. Me quito el sombrero ante Prince por ser capaz de encontrar el funk en la música de Brown durante este período, que sentí que había sido alterado por la música disco. Sabiendo en qué leyenda se convirtió Prince, estaba en algo.

En la década de 1980, podías ver a cualquiera de los días felices de James Brown en la banda durante un período, ya que Bobby Byrd, Maceo Parker, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Fred Thomas, Sweet Charles Sherrell y más se reincorporaron a la banda de James Brown para varias temporadas. Aunque se sintió más nostálgico que contemporáneo, demostró que el mundo de James Brown era uno de los universos más importantes de nuestro sistema solar musical.

Disfruta de estas mermeladas del Padrino.