Arte que vimos este otoño

Oct 09, 2023

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De nuestros críticos, reseñas de exposiciones en galerías cerradas en la ciudad de Nueva York.

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Por The New York Times

chelsea

Hasta el 17 de diciembre. Pace Gallery, 540 West 25th Street, Manhattan; 212-421-3292, pacegallery.com.

Sonia Gomes no fue a la escuela de arte hasta los 45 años. Había estado deconstruyendo y reensamblando telas desde niña, pero al enfrentarse a los prejuicios como una mujer afrobrasileña que trabajaba con textiles, pensó en lo que hacía como artesanía. Fue necesario un nuevo contexto para verlo como arte.

Ahora, Gomes, de 74 años, tiene su primera exposición individual en Nueva York, titulada "O Mais Profundo é a Pele" ("La piel es la parte más profunda"). En lugar de una retrospectiva, es un conjunto de trabajos recientes que demuestran tanto la variedad de sus enfoques de la tela como su dominio de la misma. Gomes utiliza objetos y textiles encontrados y donados, a menudo retorciéndolos, estirándolos y agrupándolos para crear formas fibrosas o nudosas.

En la serie "Entre Pérola e Vergalhão" ("Entre la perla y la barra de refuerzo"), las perlas están incrustadas en grupos de coloridos cojines que se asientan sobre la barra de refuerzo, una metáfora para crear espacios acogedores (y apuntalarlos). En la serie "Tela-Corpo" ("Canvas-Body"), las protuberancias de tela emergen de los lienzos pintados con formas biomórficas, protuberancias que se sienten integradas, a pesar de ser disruptivas.

Si Gomes tiene un tema central, puede ser ese: una sensación de conexión voluntaria, una determinación de usar lo que está a mano para forjar algo inesperadamente hermoso. Mi pieza favorita, una obra sin título (2022) de la serie "Torção" ("Twists"), es una mezcla de medios y telas envueltas, cosidas y unidas para formar una red suelta. Parece nacido de la lucha, como si hubiera luchado para ser, sin embargo, cuelga abierto y ligero, casi bailando en la pared. JILLIAN STEINHAUER

chelsea

Hasta el 17 de diciembre. Galerie Lelong, 528 West 26th Street, Manhattan; 212-315-0470. galerielelong.com

La tensión en la escultura de madera de Ursula von Rydingsvard surge de su combinación yin y yang de fuerza bruta con delicadeza refinada. A los 80 años, la escultora de Brooklyn está en la cima de su reñido juego. En esta exposición de esculturas y dibujos, la mayoría realizados en los últimos dos años, se siente el esfuerzo (realizado por asistentes bajo su estrecha supervisión) que implica el corte de bloques de su material favorito, el cedro rojo occidental. La madera de grano ligero se colorea con grafito antes de ensamblar los componentes en formas, a menudo de 10 pies de altura o más, que atraen al espectador como emisarios animistas del mundo natural.

Nacida en Alemania de madre polaca y padre ucraniano, comenzó su infancia en campos de refugiados después de la Segunda Guerra Mundial, antes de que su familia de nueve miembros emigrara a los Estados Unidos y se estableciera en Connecticut. (El nombre aristocrático es el legado de su primer marido). En una declaración de artista, preguntó: "¿Por qué hago arte?" Su larga lista de razones comenzaba: "Principalmente, para sobrevivir. Para sobrevivir a la vida y todas sus capas implícitas. Para aliviar mi gran ansiedad, para adormecerme con el trabajo y el enfoque de construir mi trabajo".

Sorprendentemente, esa lucha es evidente en el arte, incluso en las fundiciones de bronce (hay una en la muestra) que se hacen a partir de un modelo de madera. De las piezas de cedro, las que más me impresionaron fueron "Ursie 1" (2022) y "aquí y allá" (2011). Se curvan con la suavidad de los delantales y la dureza de los escudos. ARTURO LUBOW

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Se extenderá hasta el 17 de diciembre. Mnuchin Gallery, 45 East 78th Street, Manhattan; 212-861-0020, mnuchingallery.com; y Berry Campbell, 524 West 26th Street, Manhattan; 212-924-2178 berrycampbell.com

La pintora Lynne Drexler (1928-1999) llegó a Nueva York en 1955 y tuvo su primera galería en solitario aquí en 1961. Esas fechas hacen que sea un poco tarde llamar a la artista expresionista abstracta o expresionista abstracta de segunda generación, al igual que las noticias. lanzamientos para su primera exposición individual en 38 años, "La primera década", que se presenta simultáneamente en dos galerías. Estos términos han sido muy utilizados últimamente; tal vez señalen valor histórico y de mercado. Las pinturas de Drexler son bonitas y libres de angustia; presentan nubes amorfas de pequeños puntos, guiones y cuadrados de colores vibrantes en lienzos crudos o teñidos. Evocan mosaicos, textiles y diversos pintores postimpresionistas y parecen más creíbles alineados con la pintura Color Field.

La "primera década" cubierta aquí es 1959-1969, un período fértil para el nuevo arte en Nueva York cuando los pintores más jóvenes se enfrentaron a las pinturas de goteo de Pollock, entre ellos Yayoi Kusama, Frank Stella y Brice Marden. Drexler también lo hizo, pero en una dirección más convencional y agradable a la gente.

En Mnuchin, las pinturas y las obras en papel datan de 1959 a 1964. Las mejores obras tienden hacia colores más claros, incluso pasteles, dispersos sobre lienzo en bruto, o hacia tonos nocturnos profundos. Los colores se hacen más fuertes; los cuadrados y círculos más grandes entran en las imágenes, al igual que los rectángulos largos y delgados.

En Berry Campbell, donde se exhiben obras de 1965 a 1969, el estilo de Drexler comienza a endurecerse. Los colores se vuelven repetitivos y las nubes de pequeñas formas se vuelven densas, abarrotando la superficie. Los rectángulos agrupados se transforman en formas abultadas y estriadas que sugieren inundaciones, nubes de humo, nidos de avispas o grandes olas agitadas. La ligereza seductora de las pinturas anteriores se ha ido, lo cual no es una buena señal. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 23 de diciembre. Jack Shainman Gallery, 513 West 20th Street, Manhattan;212-645-1701, www.jackshainman.com.

¿Cómo superas a "Mastry" (2016-2017), la retrospectiva itinerante de la carrera de museo de Kerry James Marshall, considerada una de las exposiciones más importantes de la última década? En "Exquisite Corpse: This Is Not the Game", en Jack Shainman, su primera exhibición en una galería de Nueva York desde "Mastry", Marshall ofrece una solución inteligente: en lugar de presentar sus características grandes pinturas de historia figurativa, juega 20 rondas de cadáveres exquisitos. , el juego de salón que los surrealistas hicieron famoso.

En ese juego, se pasa una hoja de papel de un jugador a otro: cada uno dibuja un segmento del cuerpo (cabeza, torso, piernas, pies), luego dobla esa sección, ocultándola. El objetivo era socavar los enfoques conscientes y racionales y confiar en el azar para crear una obra de arte fantástica. Solo que aquí, Marshall asume el papel de todos los jugadores: múltiples firmas en la parte inferior de las obras dicen: "Kerry Marshall", "Marshall, Kerry J". y "KJM"

Pinturas como "Sin título (Exquisite Corpse Rollerblades)" (2022) ofrecen una divertida reducción de la figura femenina reclinada, mientras que acuarelas como "Sin título (Exquisite Corpse Snowman)" (2022) es una mezcla surrealista de elementos humanos y no humanos. En manos de Marshall, sin embargo, la palabra "cadáver", unida a la figura de Black, conjura episodios oscuros y "juego" sugiere, tal vez, cómo la vida ha sido históricamente manipulada contra las personas de color. El truco es que Marshall controla todos los elementos aquí, creando yuxtaposiciones divertidas, curiosas, hilarantes y absurdas. Es un cadáver exquisito muy expandido, explotado: la identidad es un juego; el arte es un juego ¿O es eso? Marshall juega, exquisitamente, con estos hechos. MARTA SCHWENDENER

chelsea

Hasta el 22 de diciembre. Paula Cooper Gallery, 534 West 21st Street, Manhattan; (212) 255-1105, paulacoopergallery.com.

Desde el comienzo de su carrera, Paul Pfeiffer ha utilizado a menudo el espectáculo de las retransmisiones deportivas profesionales, editando cuidadosamente películas existentes para extraer momentos existencialmente intensos. En un trabajo anterior, vació digitalmente un juego de baloncesto de todos menos un jugador que, aislado, parece atrapado en un momento de éxtasis aislado o agonía. En otro, eliminó todo de un juego de baloncesto, excepto la pelota misma que se muestra girando mágicamente en el aire o corriendo por la cancha.

En "Red Green Blue", su último trabajo, Pfeiffer revela toda la bola de cera, todo menos el centro, de un partido de fútbol americano universitario de la Southeastern Conference entre la Universidad de Missouri y la Universidad de Georgia, en el estadio de esta última en Athens, Georgia. Y usando ocho cámaras y seis micrófonos, Pfeiffer lo filma él mismo y lo edita en gran medida para darnos todo menos el juego en sí. En su lugar, expone el vasto aparato que crea su pompa: locutores anunciando el juego, un productor dirigiendo cámaras, directores musicales y directores de orquesta al frente de una gran banda de música sentada, extensiones ocasionales de fanáticos y una vista de rodillas hacia abajo de entrenadores y jugadores paseando. los márgenes También ves, desde la distancia, gente saliendo del estadio, y un poco más allá, un pequeño cementerio del siglo XIX en un grupo de árboles (¿pinos de Georgia?), añadiendo una nota elegíaca. Casi todo se ve en primer plano: los cuellos y las sonrisas de las porristas, el auricular y el cabello rubio del productor, las pantorrillas y las rodilleras de los jugadores de Georgia. Este es el macrocosmos visto desde los márgenes, como mirar un hormiguero. No está muy claro quién está haciendo que suceda lo que sucede, solo sabes que, juntos, lo son. ROBERTA SMITH

NoHo

Hasta el 23 de diciembre. Eric Firestone Gallery, 40 Great Jones Street, Manhattan; 646-998-3727, ericfirestonegallery.com.

Las pinturas de Peter Williams tienen una cualidad que describiría (sin juicio de valor) como "demasiado". Sus obras son llamativas, con conjuntos de colores formados en cuadrículas, rayas o puntos; presentan figuras de dibujos animados en estados de ensueño, en medio de imágenes simbólicas como pelotas de baloncesto, máscaras africanas, orejas de Mickey Mouse y flores. Cada pintura es un rompecabezas tan repleto de sentimientos e ideas que no puedo evitar deslumbrarme.

Williams, quien murió el año pasado, pasó su carrera interpretando las muchas dimensiones personales y públicas de ser negro en los Estados Unidos. Lo hizo con seriedad y humor, utilizando una variedad de técnicas pictóricas y una fuerte dosis de lo grotesco. Gran parte de su trabajo que había visto antes de esta exposición actual, "Nyack", era visualmente brillante y emocionalmente oscuro, y representaba la violencia. Por el contrario, las pinturas aquí conservan su fuerza moral pero abordan su tema de manera más oblicua.

Tomemos, por ejemplo, la pieza de resistencia y homónimo del programa, un díptico de 11 pies de largo de 2013. El título se refiere a la ciudad natal de la infancia de Williams, y la composición alude a la pintura de John Singleton Copley de 1778 "Watson and the Shark". Sin embargo, la escena cubista sigue siendo críptica. Un bote lleno de gente parece guiar a una figura negra escondida a un lugar seguro, mientras que otra, desmembrada, flota en el agua debajo.

¿Nyack es un lugar de refugio o de peligro? Aparentemente ambos. Como los mejores acertijos, los cuadros de Williams obligan a descifrarlos, pero su grandeza está en negarse a brindar el consuelo de una solución fácil o definitiva. JILLIAN STEINHAUER

NoLIta

Hasta el 22 de diciembre. Helena Anrather, 132 Bowery, Manhattan; 212-343-7496; helenaanrather.com.

Lo primero que se nota en las pinturas de "Miami" del artista iraní estadounidense Nicky Nodjoumi, quien salió de Irán en 1980 después de que la nueva República Islámica cerrara su exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, son los pies. Varias figuras que aparecen boca abajo, como en "Departure" de Max Beckmann, dejan claro que estamos tratando con imágenes de sueños, en las que las ideas se encuentran con sus opuestos y nunca puedes estar seguro de si estás volando o cayendo. (También hay botellas de vino, revólveres, caballos que gritan, sandías, un cadáver envuelto en una bandera, una variedad de nubes de color gris azulado y varios mulás y políticos que hacen tratos nefastos). Las figuras invertidas también enfatizan la composición vertical de las piezas. que evoca la pintura persa tradicional incluso cuando crea una sensación de pesadilla sin aliento: en lugar de resolverse en una secuencia inteligible, los recuerdos, símbolos y referencias de Nodjoumi simplemente se acumulan, uno encima del otro.

Sin embargo, la otra cosa acerca de los pies es que son cosas encantadoras para pintar, completamente familiares pero con una forma curvilínea e idiosincrásica que ofrece mucho espacio para generosas franjas de color. Representados en varios tonos de rosa, los pies que aparecen en las pinturas de Miami agregan algo crítico. Contrarrestan la violencia y el desorden del que Nodjoumi apenas se escapó después de la revolución islámica con belleza, y con algo que se parece mucho al amor. HEINRICH

chelsea

Hasta el 22 de diciembre, Paula Cooper Gallery, 534 W 21st Street, Manhattan; paulacoopergallery.com.

El fotorrealismo puede ser un ejercicio mortalmente aburrido: competencia egoísta sin sentido. Pero Rudolf Stingel nunca parece interesado en el egoísmo; está demasiado ocupado con cómo se experimenta una pintura, a menudo dando un golpe en la seriedad del arte: el raro conceptualista con sentido del humor. (En 1989, Stingel publicó un manual para hacer una pintura minimalista y luego pasó la siguiente década siguiendo sus propias instrucciones inexpresivas).

Esta vez no hay alfombras vulgares ni paredes revestidas con aislamiento de construcción plateado para crear el ambiente, solo cinco pinturas tranquilas de pinturas o, más exactamente, pinturas de Polaroids de pinturas. Stingel fotografió varios de sus primeros resúmenes y tradujo las imágenes a la pintura, incluidas no solo las pinturas originales, sino también las paredes de madera contrachapada o de hormigón en las que estaban colgadas, y la luz del sol suavemente moteada que las bañaba en el momento de su realización. Las imágenes finales son reales a escala, pero ¿la verdad de quién? Dependiendo de tu estado de ánimo, representan un bucle astutamente infinito de percepción táctil o el comienzo de un dolor de cabeza.

Stingel ha estado detrás de este tipo de cosas durante 40 años, evidentemente sin cansarse de la búsqueda o satisfecho con las respuestas que es capaz de adivinar. Sus exploraciones teóricas de la pintura como algo mecánico, un proceso que puede replicarse y divorciarse del sentimiento humano, puede ocasionar una crisis existencial. Pero también presagiaron la lucha actual del arte entre la tecnología y la autoría, una que es mucho más tediosa, en gran parte porque carece del ingenio de Stingel. MAX LAKÍN

Lado este superior

Hasta el 23 de diciembre. Sprüth Magers, 22 East 80th Street, Manhattan; 917-722-2370, www.spruethmagers.com.

Apenas perceptible, la bandera estadounidense aparece solo como una aparición, un fantasma. ¿O ha sido atrapado en el proceso de vaporización por completo? Las fotografías de la bandera en "Not Enough to See", una exposición individual de Louise Lawler de nuevas obras que se inauguró días antes de las elecciones de mitad de período, se leen como una poderosa metáfora de la democracia en los Estados Unidos en una era en la que las mentiras electorales entraron en la corriente principal.

Pero las fotos aquí en realidad documentan la desinstalación en febrero de la épica retrospectiva de Jasper Johns del Museo Whitney, "Mind/Mirror". Presentan de manera más prominente su pintura icónica "Three Flags" (1958), vista descentrada a la derecha en el marco de la cámara en cada una de las siete iteraciones de las imágenes de Lawler sobre este tema. Cada uno captura el movimiento de la cámara creando un diáfano efecto de desenfoque. A veces, solo la pintura de Johns es visible dentro del espacio en blanco del museo, como en "Three Flags (swiped again, one)" (2022), donde una franja blanca central en la pintura desaparece o se mezcla perfectamente con el blanco de la pared detrás. En otros, también se ven a la izquierda cajas etiquetadas para obras de arte listas para enviar o almacenar.

La elección de Lawler de usar el término "deslizar" en todos los títulos de esta serie también provoca un vínculo entre las elecciones y las aplicaciones de citas. También nos recuerdan que Johns eligió pintar su pila de tres banderas en encáustica, un medio de pigmento suspendido en cera que se vuelve líquido cuando se calienta. Estas banderas, como la democracia misma, son imponentes pero en última instancia frágiles. JUAN VINCLER

tribeca

Hasta el 21 de diciembre. Ortuzar Projects, 9 White Street, Manhattan; 212-257-0033; ortuzarprojects.com.

El memorable nuevo espectáculo de June Leaf en Ortuzar Projects reúne décadas de trabajo de la artista de 93 años. Hay dibujos sin enmarcar de figuras sombrías que se enfrentan a dilemas existenciales. Hay una pintura expresiva con los colores del arcoíris de lo que parece una ballena sonora. Y hay dispositivos evocadores, similares a la Torá, construidos con piezas y mallas de viejas máquinas de coser, así como un montón de pequeñas y elegantes figuras cortadas de hojalata. Pero "dibujo, pintura y escultura" difícilmente parecen las palabras adecuadas para nada de esto, porque todas las piezas se presentan menos como objetos que como gestos urgentes, reflexivos pero intuitivos, que Leaf acaba de hacer con carboncillo o láminas de metal en lugar de con su cuerpo

El mejor trabajo está en las figuras, que son engañosamente precisas a pesar de sus bordes ásperos. Ocultan detalles divertidos e inquietantes como tachuelas para los senos o un alfiler en forma de bisagra que sobresale entre dos piernas. Leaf envía a sus pequeños avatares arriba y abajo de escaleras en espiral y los hace caminar a lo largo de hilos de alambre gruesos y retorcidos como si estuvieran en el circo. Una pequeña figura vuela con alas huecas mientras que un par de figuras más grandes, en "Two Women on a Jack", preparan sus baquetas para tocar un círculo vacío de alambre, una metáfora tan hermosa para la cualidad obstinada del arte como he visto. jamas visto. HEINRICH

La parte baja al este

Hasta el 23 de diciembre. Perrotin, 130 Orchard Street, Manhattan; (212) 812-2902, perrotin.com.

Esta es la primera visita a una galería del colectivo de Brooklyn conocido como MSCHF (pronunciado travesura), bien conocido más allá del mundo del arte por sus bromas que se burlan de la cultura de los productos básicos. En la pieza más llamativa de esta muestra, esa cultura llega a incluir una obra de arte.

Para ese trabajo, "Severed Spots", los creadores de MSCHF gastaron casi $45,000 en una impresión de Damien Hirst que tenía 108 de sus marcas registradas. Luego cortaron esos espacios para que funcionaran como obras separadas de MSCHF, a la venta en Perrotin por $4,400 cada una. La impresión de Hirst, ahora una red de agujeros sin manchas, se cotiza en $ 75,000. El beneficio es el verdadero tema y fuente de arte de esta obra.

En otro proyecto, también a la vista en Perrotin, MSCHF ofrece forjar el metal de cualquier arma en una espada: ya han convertido un lanzagranadas en una enorme hoja de dos manos; una escopeta de corredera ahora es un puñal escocés. Si los estadounidenses quieren portar armas, tal vez estas estén más cerca de lo que imaginaron los padres fundadores.

El proyecto conocido como "Zapatos ondulados" consiste en zapatillas de marcas como Adidas y Asics rediseñadas por MSCHF para que luzcan medio licuadas, como zapatos vistos en el espejo de una casa de la risa. El precio y el estatus del calzado de alta gama claramente no se trata de la función; Al hacer versiones que nunca podría ejecutar, MSCHF pone ese hecho a la vista.

Algunos galeristas se preguntarán si todo este juego cáustico cuenta como arte. Mi pregunta, más bien, es si encaja demasiado cómodamente en el género del arte comercial establecido hace décadas por Andy Warhol y sus colegas conceptualistas, y luego perseguido por descendientes como Takashi Murakami y Hirst. . BLAKE GOPNIK

barrio chino

Hasta el 4 de diciembre. 56 Henry, 105 Henry Street, Manhattan; 646-858-0800, 56henry.nyc.

Un boleto de lotería raspadito usado, partido en cuatro, crea una cuadrícula fracturada. Las palabras legibles y la frase "WIN" y "CASH / 4LIFE" en los dos fragmentos superiores, irónicamente, se leen solo como esperanzas frustradas. Si bien el boleto de lotería puede ser un fracaso, la obra de arte de Al Freeman que lo representa, una escultura colgada en la pared como una pintura, logra capturar la energía vivaz de una carcajada de voz ronca.

Las cuatro obras juntas en "Floors" cuentan una historia en esta pequeña pero bulliciosa exposición, la quinta exposición individual del artista con sede en Brooklyn con la galería. "Boleto de lotería en el piso de madera oscura" (todas las obras son de 2022) se une a un recibo de CVS que promete "$ 3.00 de descuento" junto con un puñado de centavos en "Recibo y cambio en el pavimento". Las otras dos obras ilustran paquetes de medicamentos de venta libre: los paquetes azules rasgados gemelos en "Alka-Seltzer on Blonde Wood" y el par desmenuzado que derrama sus ocho tabletas como lunares rosas en "Pepto Bismol on Checkered Floor".

Todos están compuestos principalmente de vinilo de color del tipo que encontraría cubriendo la cabina en un restaurante clásico de Nueva York, que también incorpora espuma, relleno de fibra de poliéster y cuero, lo que sugiere tapicería. Este formato montado en la pared muestra a Freeman evolucionando y perfeccionando su oficio más allá de una inteligente reinvención de la escultura blanda de Claes Oldenburg actualizada para el siglo XXI. Es una aguda observadora, literalmente aquí, de las calles y los pisos de Nueva York, con la habilidad de un caricaturista para perfeccionar un objeto familiar hasta su esencia. Ingenioso, duro y cómodo. JUAN VINCLER

LA PARTE BAJA AL ESTE

Hasta el 4 de diciembre. 601Artspace, 88 Eldridge Street, Manhattan; 212-243-2735, 601artspace.org.

En 1969, Mierle Laderman Ukeles escribió un manifiesto para el "arte de mantenimiento". Propuso una exposición que destacara las tareas que intervienen en el mantenimiento de la vida cotidiana, incluida la limpieza y el cuidado de los demás. "Muestre su trabajo, muéstrelo de nuevo", escribió sobre la naturaleza repetitiva y, a menudo, oculta de este tipo de trabajo.

En esta muestra colectiva, comisariada por la artista Gabriela Vainsencher y la directora de 601Artspace, Sara Shaoul, los colaboradores siguen y complican ese resumen. Cerca de la entrada cuelgan tres grabados de Ukeles que representan relojes de trabajo; sus descendientes conceptuales directos son "Copper Surrogates" de Walead Beshty (2017-22), dos formas en L montadas en la pared que serían ejemplos de minimalismo si no fuera por las huellas dactilares que las cubren. Beshty estipula que las esculturas se manipulen sin guantes, por lo que se acumulan rastros de trabajo humano.

La mayoría de los artistas aquí no muestran su trabajo sino que señalan los sistemas que determinan su valor. En "Untitled (Say Her Name)" (2011-15) de TJ Dedeaux-Norris, la artista, que usa pronombres ellos/ellos, trata de separar sus labios, que están cerrados con pegamento. Una potente metáfora de los efectos del racismo y el sexismo, el video mudo evoca una incomodidad visceral que, para mí, se acentuó con la instalación cercana de Roman Signer. "Schnarchen (Snoring)" (1992) presenta una carpa y una pista de audio de los ronquidos de Signer, en alusión a una actuación que hizo en Islandia. Es divertido, pero al escuchar a Signer dormir mientras veía la lucha de Dedeaux-Norris, no pude evitar pensar en quién tiene licencia para tomárselo con calma y quién tiene que trabajar más duro para ser escuchado. JILLIAN STEINHAUER

LADO ESTE SUPERIOR

Hasta el 26 de noviembre. Acquavella, 18 East 79th Street, Manhattan; 212-734-6300, acquavellagalleries.com.

El nuevo espectáculo de Tom Sachs se llama "Spaceships". Los fanáticos del programa espacial de clase de tienda que complace a la multitud del artista no se sentirán decepcionados. Para aquellos cansados ​​de ese truco, la exposición también incluye un tocadiscos Technics bien equipado hecho de madera, una aspiradora vertical con un bolso Chanel vintage para la suciedad y un modelo Titanic que realmente se hunde. Es el tipo de escultura que hacen los contratistas de museos cuando las cosas van lentas, solo que más. El personal de su estudio estaba allí en la inauguración llena de gente, discernible entre las masas por el parche de 10 balas en el pecho de su camisa de trabajo: una bala por cada punto del estricto código de conducta de Sachs. Con un conjunto de habilidades que incluye construcción, carpintería, escultura y electricidad ligera, no son tanto fabricantes como acólitos de una religión de bricolaje.

Mientras los trabajadores del arte se enfrentan a la gerencia en Filadelfia y gritan Highsnobiety y El intento de Christie de comercializar su trabajo, esta muestra habla del técnico de exhibición y del preparador de galería. La madera contrachapada sin pintar es buena madera contrachapada, los tornillos visibles a lo largo de las líneas de lápiz sin borrar conscientemente son tornillos agradables. Incluso hay un santuario dedicado a la batería Makita de 18 voltios montado en una pared, filas de ellos cargando en sus soportes, esperando su turno para encender los LED en las pantallas de los módulos de aterrizaje extraterrestres hechos a partir de una caja de arena autolimpiante o un cubo de trapeador. , un pequeño y rígido Stars and Stripes plantado en su techo. Es un homenaje a la estética del manipulador de arte, a pesar de las naves espaciales. TRAVIS DIEHL

CENTRO DE LA CIUDAD

hasta noviembre 26. Luxemburgo + Co., 595 Madison Avenue, Manhattan, 212-452-4646, luxembourgco.com.

El genio modernista a menudo se encuentra mejor en las galerías comerciales, con sus condiciones de visualización íntimas y la falta de autoridad institucional y tarifas de entrada. Lo mismo ocurre con "Joan Miró: Pies en el suelo, ojos en las estrellas", la emocionante muestra inaugural que recorre los primeros años radicales de este artista catalán en Luxembourg + Co. Anteriormente la mitad de Luxemburgo y Dayan en los años 70 Este, los nuevos barrios de la galería se encuentran en el legendario edificio Fuller, el gran hito Art Deco en 57th Street y Madison Avenue. En su dirección anterior, 41 East 57th Street, una vez albergó varias de las principales galerías de Nueva York; su dirección actual es la más peatonal 595 Madison Avenue. Imagínate.

La muestra examina la ruptura de Miró con la pintura tradicional y la moderación adulta, tras su liberadora exposición al modernismo francés en general y al surrealismo en particular. Redujo su medio a un exuberante dibujo automatista sobre campos monocromáticos de color. Sus formas biomórficas a menudo estaban simplemente delineadas, como en "El beso" (1924), donde puedes ubicar el punto de contacto y tal vez algunas chispas azules (o cabellos o pétalos), pero no mucho más. Algunas formas están ligeramente rellenas, como en la más legible "Pintura (Los amantes: Adán y Eva)", de 1925. Entre las más destacadas se incluyen dos grandes obras, ambas tituladas "Pintura" (1936), en las que Miró improvisó sobre el crudo y resplandeciente lado de Masonite, mezclando formas y contornos negros con pinceladas de color. Los presagian dos obras de 1924 escasamente dibujadas a lápiz sobre tapas de cajas de cigarros pintadas de blanco. El blanco fisurado sugiere tanto tierra refinada como éteres flotantes: un paisaje lunar para las misteriosas criaturas ingrávidas de Miró. ROBERTA SMITH

BROOKLYN

Hasta el 27 de noviembre. Fondo de Arte Público en Brooklyn Bridge Park, 334 Furman Street, Brooklyn; 212-223-7800, publicartfund.org.

Cuando me senté en un banco a la sombra en Brooklyn Bridge Park recientemente para contemplar "Agali Awamu (Unión)" de Leilah Babirye, un conjunto de esculturas de pino talladas de nueve pies de altura que forman parte del espectáculo de cinco personas "Atlántico negro", un enorme barco llamado SSI Magnificent pasó deslizándose justo detrás de ellos.

Competir con el movimiento constante del puerto de Nueva York, sin mencionar el glorioso puente de Brooklyn con cinturones de acero, no es fácil. Pero Daniel S. Palmer y el artista Hugh Hayden, que curaron "Black Atlantic" para el Public Art Fund sobre el tema de las identidades de la diáspora africana, usan la incongruencia a su favor. Las figuras macizas y oscurecidas de Babirye, cada una adornada con engranajes oxidados y trozos de placas de metal como joyas, dan la espalda al agua, como amigos, o tal vez solo compatriotas, que han llegado a la orilla en una tierra extraña. De pie a la vista de la Estatua de la Libertad, sirven como un poderoso contrapunto a la idea de una América construida principalmente por inmigrantes dispuestos.

Las otras obras del programa tienen una ambigüedad similar, mezclándose cómodamente con el exuberante parque incluso cuando lo interrumpen con una historia diferente. Kiyan Williams hace una versión grande de la "Estatua de la Libertad" de bronce que se encuentra en lo alto del Capitolio de los EE. UU. y luego la cubre con tierra, como si hubiera estado enterrada durante cuatrocientos años; Hayden contribuye con un bote de remos surrealista e inquietante con costillas de madera incorporadas y vértebras parecidas a ballenas; Las meditativas placas de acero con forma de estrella de mar de Tau Lewis están adornadas con motivos africanos; y el sofá de hormigón de Dozie Kanu encapsula la incómoda belleza de una identidad híbrida mientras se asienta sobre bordes de alambre al estilo de Texas. HEINRICH

brooklyn

Hasta noviembre. Museo de Brooklyn, 200 Eastern Parkway, Brooklyn. 718-638-5000; brooklynmuseum.org.

El arte es genial, pero ¿alguna vez te has detenido a mirar realmente la maravilla de un árbol? La plaza al aire libre del Museo de Brooklyn ha sido ocupada por "The Grey-Green Divide", una instalación de sitio específico de la periodista de datos británica con sede en Nueva York Mona Chalabi que me hizo pensar en los placeres y privilegios contrastantes de ver arte. y pasar tiempo en la naturaleza. Sus dibujos en tinta y lápices de colores de los 100 árboles más comunes en la ciudad de Nueva York se reproducen en las paredes y escalones de la entrada del museo. Un par de mapas adjuntos de Brooklyn revelan que las áreas con más árboles permanecen considerablemente más frescas, mientras que un gráfico muestra una correlación entre la riqueza del vecindario y la cantidad de árboles. Mi hija de 5 años se conmovió lo suficiente con la exhibición como para abrazar un árbol a lo largo de Eastern Parkway porque los árboles son ayudantes. Yo también comencé a ver los árboles de manera diferente, como indicadores de la inequidad social urbana.

Después, puede caminar desde la plaza hasta el vecino Jardín Botánico de Brooklyn o el cercano Prospect Park. Pasé incontables horas estos últimos dos años aquí sintiéndome como si hubiera escapado de la ciudad mientras subía Lookout Hill o considerando los muchos árboles viejos e impresionantes del parque, como el Camperdown Elm importado de Escocia y plantado cerca de Boathouse en 1872, posteriormente inmortalizado en verso por Marianne Moore. La instalación de Chalabi me recordó uno de los estándares más esclarecedores para el arte. ¿Cómo se compara cualquier obra de arte dada con un árbol cuidadosamente considerado? JUAN VINCLER

PUEBLO DEL ESTE

Hasta el 5 de noviembre. Karma, 188 y 172 East Second Street, Manhattan; 212-390-8290, karmakarma.org.

Las 30 artistas femeninas que aparecen en "Painting in New York: 1971-83" podrían sorprenderse al encontrarse juntas en la misma habitación. Lienzos abstractos se sientan junto a representaciones de figuras humanas. La pintura tradicional se aumenta o reemplaza por otros materiales. Curada por Ivy Shapiro, es una presentación excelente e iluminadora.

"Zebras" de Emma Amos (hacia 1980) está pintada sobre una tela hecha a mano, combinando el tejido con la aplicación de pigmentos más convencional. "Erotic Yellow" de Joan Semmel (1973) presenta una imagen semiexplícita de una pareja interracial. Los lienzos geométricamente abstractos de Faith Ringgold de 1974 se muestran con una escultura suave que presenta tres figuras. "Untitled (Water Wheel)" de Ellen Phelan, de la década de 1970, se encuentra en medio de la sala. Las dos "pinturas" de Ida Applebroog en realidad están ejecutadas en vitela transparente.

Muchos artistas conocidos están aquí, incluidos Elizabeth Murray, Susan Rothenberg, Pat Steir, Dorothea Rockburne, Howardena Pindell y Mary Heilmann. Algunas de las obras más emocionantes, sin embargo, son de obras menos conocidas como Betty Blayton, Vivian Browne y Martha Diamond.

En la pared, Shapiro ofrece una presentación estelar de la pintura en una época en la que se menospreciaba el medio, y gran parte del trabajo se ve increíblemente fresco en la actualidad. Más allá de esto, solo puedes imaginar algunos de los argumentos que se gestan en torno a la estética, el feminismo, la raza y la sexualidad, ya que los pintores incluidos aquí pertenecen a generaciones anteriores a la de Shapiro, con muchas de sus propias enemistades y facciones artísticas. Quizás estos se abordarán en el próximo catálogo, que incluye ensayos de críticos destacados como Hilton Als y Lucy Lippard. MARTA SCHWENDENER

SOHO

Hasta el 5 de noviembre. Peter Freeman Inc., 140 Grand Street, Manhattan, 212-966-5154, peterfreemaninc.com.

El arte delicado pero riguroso de Fernanda Gomes (nacida en 1960, Brasil) es bien conocido internacionalmente, por lo que no debe perderse su primer solo en Nueva York desde 2006. En este hermoso arreglo de más de 30 piezas de pared, piezas de piso e instalaciones de repuesto, cada esfuerzo te hace ver más completamente lo que ha venido antes. Muchos están en el lado pequeño. La mayoría se ensamblan con restos de madera, aglomerado o partes de muebles que se encuentran en la calle; las adiciones juiciosas de pintura blanca rara vez disfrazan usos anteriores. Partes de obras más complejas pueden aparecer en otras piezas en otros momentos. Otros son temporales y dejan de existir al final del espectáculo. Aquí, por ejemplo, los materiales que no se usaron para este espectáculo se apilan a un lado y, sin embargo, se citan como un trabajo en la lista de verificación.

Entre los ecos que se pueden ver aquí se encuentran un fragmento largo e irregular de un torno roto en una obra cercana, o una segunda versión, más minuciosamente pintada, de un relieve de pared de 2014. La nueva versión cuelga en un recinto con la parte superior de malla, junto con cinco cuadrados pequeños, aparentemente planos, de madera pintada o lino, cada uno de los cuales refleja la luz de manera diferente o contiene una sorpresa perceptiva. El antepasado ligeramente más desaliñado del relieve está justo afuera. El arte de Gomes une la pintura, la escultura y la instalación, al mismo tiempo que se basa en múltiples tradiciones del siglo XX. Su capacidad para filtrar estos precedentes a través de su propia sensibilidad es como su reciclaje de materiales: hace que todo no parezca nuevo, sino fresco, lo que puede ser mejor. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 29 de octubre. Pace Gallery, 540 West 25th Street, Manhattan; 212-431-3292, pacegallery.com.

Desde mediados de la década de 1980, la artista brasileña Beatriz Milhazes ha cultivado una forma de pintura abstracta alta-baja en la que la geometría modernista se anima con sugerencias de globos, candelabros, serpentinas y otros adornos de fiesta baratos. Su potencial implícito para una intensidad deslumbrante ahora es explícito. Si los 10 nuevos lienzos de esta exposición, los primeros que presenta en Nueva York desde 2015, no son los mejores hasta ahora, sin duda son los mejores que ha exhibido hasta ahora en la ciudad. La muestran muy al mando, ampliando sus referencias, apretando sus composiciones y matizando sus colores en bellísimas pinturas que resisten la fácil digestión.

Los patrones de Milhazes se han refinado y multiplicado. Ella usa varios tipos de ondas y vieiras, todo tipo de rayas y puntos. Campos de círculos concéntricos de oro, negro y lavanda actualizan los fondos de Gustav Klimt; círculos multicolores renuevan el de Sonia Delaunay. Los riffs de diseño de interiores y textiles son omnipresentes. Pequeños agregados de formas cuadradas, todas líneas rectas, evocan la abstracción modernista de Mondrian en adelante, mientras que cada composición también contiene una ramita de flores de arte campesino.

Estas pinturas son, en cierto sentido, collages, pero construidas con tanto cuidado como un mecanismo de relojería. Son muy divertidos de analizar: llenos de sorprendentes repeticiones y variaciones (considere la esquina inferior derecha de "Cirandinha"). El título del programa, "Mistura Sagrada" (o "Holy Mix"), reconoce su locura y pureza.

Arriba de las pinturas cuelga una de las piezas de instalación que Milhazes hizo al ensartar miles de adornos de fiesta en cientos de hilos invisibles. Esta idea podría haber sido mejor resistida. Devuelve el vocabulario en expansión de Milhazes a sus fuentes originales. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 29 de octubre. Hauser & Wirth, 542 West 22nd Street, Manhattan; 212-790-3900, hauserwirth.com.

Un río no es un muro. Aunque puede ponerse en servicio para marcar una frontera, un río no permanecerá quieto. Los ríos fluyen, crecen, retroceden, cambian de curso y serpentean. Pueden ser pasables o puenteables, pero hacerlo puede ser peligroso, ilícito, vigilado.

"Al Río/To the River" de Zoe Leonard documenta el Río Grande donde divide a los Estados Unidos de México. A partir de 2016, Leonard produjo más de 500 fotografías trazando su camino desde El Paso y Ciudad Juárez hasta el Golfo de México durante cuatro años. A veces, la cámara de este artista con sede en Nueva York permanece inmóvil mientras el agua y el mundo siguen moviéndose: una familia hace un picnic junto a la orilla, una bandada de pájaros toma vuelo desde un campo. Otros conjuntos resaltan la calidad de río de una carretera o huella de neumático. ¿Es el callejón sin salida circular de un camino de tierra polvoriento un punto de entrega o simplemente un cambio de dirección? En otra serie, un helicóptero que se eleva sobre una línea de árboles sugiere el río como un sitio de vigilancia.

Solo una selección está a la vista, en este debut estadounidense del proyecto, mientras que una presentación más grande se inaugurará en el Musée d'Art Moderne de París el sábado. El fotolibro adjunto publicado por Hatje Cantz puede ser la mejor manera de asimilar la totalidad del proyecto, pero esta amplia introducción te hará reflexionar sobre la belleza lánguida de los ríos y la fuerza rígida de las fronteras. JUAN VINCLER

CENTRO DE LA CIUDAD

Hasta el 29 de octubre. EFA Project Space, 323 West 39th Street, segundo piso, Manhattan; 212-563-5855, projectspace-efanyc.org.

Los juegos de esta exposición colectiva no son precisamente típicos. Por un lado, el objetivo de la mayoría no es ganar. En "Let's Play: Ancient Greek Punishment" (2011) de Pippin Barr, no puedes, no importa cómo lo intentes; en cambio, estás condenado a reproducir los castigos de personajes míticos en una estética cómicamente lo-fi. Incluso cuando hay un objetivo definido, no es necesariamente lógico: en "Fuzz Dungeon" (2021) de Jeremy Couillard, eres una criatura que viaja a través de espacios alucinantes en busca de un "amuleto sexual sasquatch", sea lo que sea.

Curada por el artista Nicholas O'Brien, "Voluntary Attempts to Overcome Necessary Obstacles" reúne juegos alternativos y experimentales cuyo ímpetu es lo que puedes descubrir mientras los juegas (que puedes hacer en la galería). "Mother, Player: Chapter 1 (Demo)" (2022) de Angela Washko te presenta como un personaje embarazada que toma decisiones durante una pandemia. En "The Tearoom" (2017) de Robert Yang, intentas ligar con hombres en un baño de Ohio de la década de 1960 sin que te atrape la policía. La entrada más antigua del programa, "Escape From Woomera", te muestra como un solicitante de asilo iraní que intenta escapar de un centro de detención australiano.

Una modificación de un juego de disparos en primera persona, "Escape From Woomera" parece torpe en comparación con obras recientes diseñadas con más ingenio. Pero fue claramente una piedra de toque para los juegos destinados a hacer que los jugadores pensaran críticamente sobre el mundo, una idea que se manifiesta incluso en las contribuciones más abstractas del programa. Si empiezas a jugar pero no sabes exactamente lo que se supone que debes hacer, tal vez eso sea parte del problema. JILLIAN STEINHAUER

CHELSEA

Hasta el 29 de octubre. Lehmann Maupin, 501 West 24th Street, Manhattan; 212-255-2923, www.lehmannmaupin.com.

"Monumento invertido", la obra maestra en el centro de la última exposición de Do Ho Suh, deshace el tropo escultórico tradicional de colocar a un gran hombre sobre un pedestal de mármol. En un acto poético de reducción y destrucción, el artista nacido en Corea del Sur y residente en Londres reemplaza el bronce y el mármol con poliéster termoplástico rojo sangre para crear una estructura similar a una red, paradójicamente caótica y legible, delicada y resistente. En lugar de levantarse de la plataforma sobre la que se encuentra, la figura cuelga de sus pies invertida dentro de ella. La forma que tradicionalmente eleva y honra ahora encarcela, invocando de diversas formas la representación de Dante de Lucifer visto congelado en hielo, cabeza abajo con las piernas hacia arriba, en "Inferno", o escenas más contemporáneas de monumentos de traficantes de esclavos arrojados al mar.

Los otros trabajos en el programa se sienten como complementos innecesarios. Una animación de video y trabajos en papel parecen bocetos exploratorios sobre el tema de la figura al revés. (A veces es mejor no mostrar su trabajo). En la trastienda, una disposición horizontal de fotografías orientadas al paisaje, en su mayoría del cielo, están bordeadas en la parte inferior con techos de edificios que sugieren varios lugares. Frente a esto, "Jet Lag" (2022) consiste en una pared de detalles arquitectónicos multicolores en poliéster diáfano: interruptores de luz, alarmas contra incendios, detectores de humo, un teléfono y una variedad de enchufes de pared que insinúan muchas geografías. Estos elementos recopilados hacen un guiño a la práctica característica de Suh de recrear viviendas en tela translúcida. Bien, pero hay una razón antimonumental por la que este espectáculo es imperdible. JUAN VINCLER

SoHo

Hasta el 29 de octubre. Postmasters, 484 Broome Street, Manhattan; www.postmastersart.com.

Albert-Laszlo Barabasi, un científico convertido en artista, promueve un movimiento que él llama Dataismo, documentando "procesos, conexiones, asociaciones, afiliaciones, correlaciones, causas y consecuencias sociales invisibles pero objetivos, aspectos de la realidad que simplemente no son accesibles para el arte retiniano. "

Con ese fin, en este programa llamado "BarabasiLab: Big Data (Networking the Artworld)", una pared de Postmasters presenta lo que parece un conjunto de abstracciones de la Bauhaus, pero cuyos rectángulos anidados en realidad representan gastos filantrópicos de fundaciones en los Estados Unidos, desde 2010 a 2019. (Los museos de arte obtienen el 0,5 por ciento de ese gasto, por lo que el rectángulo que los representa ocupa el 0,5 por ciento de la superficie total de las abstracciones de la suite).

Un solo lienzo en otra pared, con una abstracción ondulada en verde, amarillo, azul y rojo, casi podría ser una respuesta a la música inspirada en Kandinsky; de hecho, captura las conexiones entre los pocos grandes artistas, comerciantes y museos que dominan el mundo del arte.

Pero aquí está lo extraño del arte cargado de información de Barabasi: para exprimir la información de su trabajo, en su mayoría pinturas y grabados, pero esta muestra incluye un video y una escultura, no puedes simplemente mirar; necesitas leer una página web con la historia de fondo. Eso me hace pensar que el trabajo de Barabasi se trata más de capturar la sensación vital de los datos en nuestras vidas que de brindarnos hechos específicos.

O tal vez se trata de una antigua función del arte que hemos llegado a descuidar: simplemente señalar cosas importantes en el mundo: un mamut para matar; un dios para adorar, sin tener en cuenta la belleza o el estilo o cualquier cosa "retiniana". Todo el trabajo ahora en Postmasters podría verse bastante diferente y aun así capturar la misma información. ¿Dice que en el fondo todo arte quiere funcionar de esa manera? BLAKE GOPNIK

tribeca

Hasta el 29 de octubre. Jeffrey Deitch Gallery, 18 Wooster Street, 212-343-7300, deitch.com.

Para "Truck Stop", su exposición individual en Jeffrey Deitch en Tribeca, el artista Mario Ayala está vendiendo Los Ángeles. Sus grandes lienzos representan a los familiares vehiculares de esas calles bañadas por el sol: un camión de mariscos en Baja California y su escalofriante camarón mascota; un vehículo recreativo con polvo de frenos que parece la residencia principal de alguien; una hermosa camioneta Ford con un diseño de aerógrafo psicodélico en su portón trasero: relámpagos que rasgan, policías que persiguen y extraterrestres que secuestran. Las pinturas de Ayala se llenan de detalles parpadeantes: el camarón fuma un tazón, el logotipo de Sunchaser RV perfectamente desgastado incorpora un Kokopelli lascivamente acanalado. Una valla publicitaria real al estilo de las de Work Boot Warehouse, que se cierne sobre un tráiler de oficina configurado para proyectar un video con temas de guerreros de la carretera radiactivos, reemplaza a la saludable chica pinup del anuncio con la cabeza del artista en el cuerpo de David Bowie de "Diamond". Portada de perros. Es Los Ángeles como expansión semiótica. Y Ayala, una virtuosa de esta forma vernácula, lo aerografia todo.

Luego, está el autobús: un lienzo con forma casi de tamaño natural de la culata de un autobús de Metro. Su número, 90031, es el código postal del vecindario del lado este de Lincoln Heights, de gran población hispana; el abogado zalamero que muestra blancos nacarados en medio del anuncio de ACCIDENTES —un abogado de lesiones tan omnipresente en Southland que la gente se viste como él para Halloween— es inconfundiblemente Deitch. La etiqueta dice: WWJDD22. ¿Qué haría Jeffrey Deitch? Él te daría el dinero que te mereces. TRAVIS DIEHL

BARRIO CHINO

Hasta el 22 de octubre. Martos Gallery, 41 Elizabeth Street, Manhattan; (212) 560-0670, martosgallery.com.

Jennie Jieun Lee podría describirse como una artista de cerámica, pero va mucho más allá en "Marie" en Martos Gallery. Los recipientes de porcelana de colores salvajes están llenos de flores que la propia Lee cultivó: zinnias, dragones, amaranto y dalias. Estos están acompañados por cabezas humanas de cerámica con esmaltes locos y desbocados, losas de arcilla en forma de pequeñas prendas y bolas de porcelana fundida ensartadas en una evocadora "guirnalda". En el centro del espectáculo se encuentra una recreación de la tumba de Marie Laveau (1801-1881), una practicante de vudú criolla del siglo XIX que también fue estilista de los ricos de Nueva Orleans y que incluso intervino en nombre de la muerte. -fila de prisioneros.

Hay una cualidad salvaje en el trabajo de Lee que encaja con su tema y enfoque: jarrones descentrados cubiertos con marcas crípticas; cabezas de cerámica que parecen estar llorando o derritiéndose. Después de la muerte de Laveau, su tumba se convirtió en un santuario para los suplicantes que pedían deseos desesperados marcados con tres X. Los visitantes de la exposición de Lee están invitados a pedir sus propios deseos y muchos lo han hecho, colocando monedas y baratijas en la base de "Marie's Tomb" (2022).

El espectáculo podría llamarse una "instalación escultórica interactiva", pero Lee obviamente apunta mucho más alto y pregunta: ¿Cómo medias entre mundos diferentes? ¿Puede el arte alcanzar este nivel de compromiso chamánico? Usando historia, arcilla maleable y una simple invitación a conectarse, Lee transforma la estéril sala de exposición de la galería en un espacio más significativo, a veces incluso espiritual. MARTA SCHWENDENER

tribuca

Hasta el 22 de octubre. Algún día, 120 Walker Street, Manhattan, somedaygallery.com.

¿Sabías que Cristóbal Colón era un vampiro? Es cierto, al menos según el alegóricamente embarrado "Nosferasta: First Bite", un video falso documental de Adam Khalil, Bayley Sweitzer y Oba, un artista y músico de Trinidad. Oba también se interpreta a sí mismo como el personaje principal: un Nightwalker rastafari, creado por el italiano sediento de sangre en 1492 como una entrada a la sociedad indígena, navegando por los problemas de la tarjeta verde en el Brooklyn actual. El video alterna entre la recreación histórica y la locura moderna, mezclando la sátira poscolonial con cuadros extravagantes como un par de muertos vivientes "bañándose en la luna" en una playa en el siglo XV u Oba estudiando para el examen de ciudadanía estadounidense en el siglo XXI. Una ominosa toma de ojo de pez de Columbus Circle y su pilar triunfal resalta el hecho de que, a pesar de que Columbus está muerto (el protagonista con rastas afirma que mató a su maestro después de probar la hierba por primera vez), su nombre sigue vivo.

En la galería, las esculturas brillantes de Oba materializan las tradiciones espirituales en forma de santuarios y estatuillas Day-Glo incrustadas en bisutería, teléfonos celulares y símbolos panafricanos. Las enseñanzas de Ras Tafari (respeto por la vida humana y resistencia a Babilonia) sirven como abreviatura de la esperanza poscolonial, transmitida a través del tiempo por el racismo. Bromas aparte, la metáfora vampírica de "Nosferasta" reemplaza la imagen heroica de Colón por la de una sanguijuela lasciva que se alimenta de la sangre de otros, contagiándolos con su codicia. Esto es diferente de derribar estatuas. En cambio, los disuelve en el ácido de contrabando del mito. Justo a tiempo para el día antes conocido como Colón. TRAVIS DIEHL

chelsea

Hasta el 22 de octubre. David Zwirner Gallery, 537 West 20th Street, Manhattan; 212-517-8677, davidzwirner.com.

Cuando se inauguró una retrospectiva de fotografías de Diane Arbus en el Museo de Arte Moderno en 1972, un año después de su suicidio, causó sensación, inspirando comentarios apasionados, tanto a favor como en contra, y tanto interés que se formaron filas alrededor de la cuadra. Cincuenta años después, la muestra ha sido recreada como "Cataclysm: The 1972 Diane Arbus Retrospective Revisited", con las 113 copias (más dos que fueron retiradas de la exposición del MoMA después de las vehementes protestas de los sujetos). Esto es mucho más que en la monografía Aperture más vendida que acompañó al programa, y ​​algunos serán desconocidos incluso para los devotos de Arbus.

Junto con la exposición, la Galería David Zwirner y la Galería Fraenkel han publicado conjuntamente "Diane Arbus: Documentos", un compendio de la crítica de Arbus durante el último medio siglo, magníficamente producido. (El libro reproduce tres artículos de este crítico entre varios de The New York Times). Incluye una notoria reseña de Susan Sontag que denuncia lo que ella describió como el "mensaje antihumanista" y el "pesimismo rebajado" de Arbus, un ensayo que originalmente llevó a Doon Arbus, la hija mayor del artista, a ejercer un control estricto y negar el permiso para publicar fotografías de Arbus sin que ella examinara personalmente las palabras que las acompañan.

¿Implica el cambio que el trabajo, que sobrevive a la prueba del tiempo, ya no requiere tal control? Realmente, nunca lo hizo. Una característica extraordinaria de las fotografías de Arbus es que las mejores (y hay muchísimas) todavía provocan asombro desconcertado. El alboroto inicial se ha calmado, pero el arte sigue siendo controvertido y sensacional. ARTURO LUBOW

chelsea

Hasta el 22 de octubre. Matthew Marks, 522 West 22nd Street, Manhattan. 212-243-0200; matthewmarks.com.

Elaine Sturtevant (1924-2014), que trabajó bajo el nombre de Sturtevant, hizo copias del trabajo de otros artistas, pero insistió en que no era una artista de la apropiación, y tenía razón. En esta mini-retrospectiva alucinante, que incluye una pintura de números gris de "Jasper Johns", un pequeño "Keith Haring" y dos lavabos "Robert Gober" enterrados en AstroTurf con poca luz, la autoría es la menor de las preocupaciones. Surge, pero solo como un subconjunto de la pregunta más amplia, "¿Qué es una idea?"

Los "Johns" y "Haring", aunque ambos perfectamente reconocibles, no son exactos. No es exactamente la línea de Haring, y la superficie de la pintura de números no está tan trabajada como la hubiera tenido Johns. Es decir, creo, cada pieza me hizo cuestionar mi propia memoria de lo que era un "Johns" o un "Haring" en primer lugar y qué criterios usé para reconocerlos. (Johns, Haring y Gober se mencionan en los títulos de las piezas, pero eso solo lo hace aún más alucinante).

Un video de 2010, también de Sturtevant, compila fragmentos de dos archivos en línea, BBC Motion Gallery y iStock, para mostrar un tigre corriendo, un velocista humano, una flor que se abre y otros ejemplos de vida en movimiento con el acompañamiento de un pulso de computadora. . Cuando el tigre miró a la cámara, su cuerpo ondulante, su rostro inmóvil, olvidé por un momento cuál era la obra de arte y cuál era yo. HEINRICH

Lado este superior

Hasta el 22 de octubre. Gagosian, 821 Park Avenue, Manhattan; 212-796-1228, gagosian.com.

"¿Por qué importa tanto el dinero en lo que hacemos, en lo que somos, en lo que nos convertimos?" Michel Piccoli se lamenta en el último rollo de "Contempt", la película más comercial de la era New Wave de Jean-Luc Godard. Dice la línea frente a un enorme ventanal que mira desde Capri: una ventana de la Casa Malaparte, una caja roja descolorida que se eleva desde un acantilado de piedra caliza hacia el mar Tirreno, diseñada y habitada por el novelista italiano Curzio Malaparte. Tanto el autor como el director de cine imbuyeron esta espectacular casa de la década de 1940 con un raro atractivo sexual intelectual; ahora, por el precio justo, puedes conseguir el look Casa Malaparte en casa.

Los tres muebles ofrecidos en Gagosian comprenden cada uno una larga losa de nogal sostenida por dos gruesas patas cilíndricas de varias alturas y materiales: mármol de Carrara bajo y estriado para el banco; pino de altura media para la mesa del comedor; y roca volcánica alta para la consola. Son ediciones totalmente nuevas del mobiliario de la casa, autorizadas por un descendiente de Malaparte; aparecen ante fotografías gigantes a escala real de las ventanas de Casa Malaparte, tan estupendas que los posibles compradores podrían considerar sus propias vistas de Bridgehampton bastante pequeñas en comparación. ¿Puedes replicar la proximidad al genio literario? ¿Puede una tabla sugerir la presencia de Brigitte Bardot? Al igual que la adaptación cinematográfica de "La Odisea" que el personaje de Piccoli está tratando de escribir en "Contempt", los accesorios aquí presentan un clasicismo bastante a medias, pero para probar un poco de Capri, algunos de nosotros sacrificaremos mucho. JASON FARAGO

brooklyn

Hasta el 23 de octubre. Jardín Botánico de Brooklyn, 990 Washington Avenue, Brooklyn; 718-623-7260; bbg.org.

Nunca necesitará razones adicionales para visitar el Jardín Botánico de Brooklyn. Pero "For the Birds" ha instalado un montón de nuevas excusas para hacer el viaje, en la forma de más de 30 nuevas y caprichosas casas para pájaros esparcidas por los terrenos. (El proyecto también incluye un álbum de música inspirada en el canto de los pájaros, entre otras cosas).

Encargadas a artistas y arquitectos, las casas para pájaros cubren una amplia gama de posibilidades visuales. Son tan pequeños, y aparentemente tan inaccesibles para cualquier cosa más grande que un colibrí bebé, como el "Hábitat" de corteza de abedul de Mary Frank en el jardín de Shakespeare, o tan altos y extravagantemente acogedores como la pila de 14 pies de Julie Peppito de objetos encontrados y concreto. "Aves Unidas de América (E Pluribus Unum)". Son tan desvencijados y encantadores como una isla de jarras de aceite mineral reciclado, diseñadas especialmente para las garzas azules, que Chen Chen y Kai Williams instalaron en el estanque del Jardín Japonés, o tan elegantes y ominosas como la torre de madera dura para los cuervos que acechan en el borde. de Campo Aster. (Erigido por un colectivo llamado Bureau Spectacular, en colaboración con el arquitecto Kyle May, ese se llama "A Flock Without a Murder").

No todas las casas para pájaros en el jardín son igualmente atractivas, o incluso bien construidas. Pero en cierto modo no importa, ya que el aspecto de búsqueda del tesoro del espectáculo es tan encantador. Y de todos modos, la verdadera audiencia del proyecto, incluso su verdadero arte, está en la bandada mixta de transeúntes alados que ha estado atrayendo. HEINRICH

Zona residencial

Hasta el 2 de octubre. Wallach Art Gallery, Lenfest Center for the Arts, Columbia University, 615 West 129th Street, Manhattan; 1-212-853-1623; wallach.columbia.edu.

"Dead Lecturer/‌Distant ‌‌Relative: Notes from the Woodshed, 1950-1980" es, entre otras cosas, un espectáculo sobre la raza y la abstracción, con obras extraídas de más de 50 artistas y poetas asiáticoamericanos y afroamericanos. El título es una mezcla de referencias a textos escritos por o sobre el poeta Amiri Baraka y los artistas Theresa Hak Kyung Cha y Jack Whitten. Pero el arte es una variedad profundamente placentera de piezas tanto familiares como sorprendentes, desde las pinturas de textos cerebrales de Arakawa hasta el dramático gres de Win Ng.

Todos los artistas del programa, ya fueran famosos o pasados ​​por alto, tuvieron que lidiar con un mundo del arte que quería, y en su mayoría todavía quiere, artistas de color para hacer un trabajo centrado en la identidad. Tener esto en cuenta al contemplar los encantadores bronces de John Pai o los fríos acrílicos casi monocromáticos de Leo Valledor les da a su abstracción un tipo especial de crujido. Puede leer desafío en su negativa a ser más transparentemente políticos, o puede reflexionar sobre la carga que es tener todo lo que hace leer a través de una lente racial y política.

Sin embargo, al final, la abstracción no es menos política que cualquier otra cosa, un hecho destacado por el video de 1980 de Howardena Pindell "Free, White and 21". "Sabes", se dice Pindell a sí misma, con la cara blanca, "escucho tus experiencias y pienso, bueno... tiene que estar en tu arte de una manera que consideremos válida". Junto al video hay una deliciosa pintura amarillo mantequilla de Beauford Delaney. El único otro color es su firma en rojo brillante de emergencia. HEINRICH

brooklyn

Hasta el 8 de octubre. 15 Orient Gallery, 12 Jefferson Street, Brooklyn. 303-803-4347, 15orient.com.

La hermosa elegancia de los collages de Thomas Eggerer puede engañarte al principio. Los colores llamativos y las formas agradables en este medio podrían sentirse fácilmente como un refrito centenario de Kurt Schwitters o el constructivismo, pero las obras en "Collages seleccionados (2002 a 2022)" se centran en los últimos días del último milenio, particularmente en la década de 1980. . Nacido y educado en Alemania, el artista residente en Brooklyn, conocido principalmente por sus pinturas, rompe los clichés de la cultura estadounidense y deja escapar los fantasmas.

"Floorgames" (2018) muestra las piernas extendidas de jugadores de fútbol con tacos y pantalones acolchados. En "Turn Around" (2008), tres rectángulos recortados muestran cada uno los torsos negros con minifalda de las porristas. "Chain" (2021) crea una red de imágenes en escala de grises, incluidas fotografías de collares de plata, junto con anuncios de United Colors of Benetton que muestran modelos y banderas yuxtapuestos con instantáneas de manifestaciones y protestas callejeras. Encerrado en una vitrina de mesa, el trabajo incluye una constelación de tapas de café en blanco y negro para darle un toque dimensional. Una de las tres imágenes de jóvenes sin camisa en forma en "Sin título" (2009) presenta una bandera confederada en el fondo.

La exhibición, una radiografía de una era en la historia estadounidense, desbloqueó de la memoria una de las respuestas de las audiencias de confirmación del juez Brett M. Kavanaugh sobre sus días de escuela secundaria: hacer ejercicio, levantar pesas, jugar baloncesto, tomar cervezas con amigos y hablar sobre fútbol y chicas. Un recordatorio de que muchos de los que ahora están en el poder son producto de estos mismos años ochenta. JUAN VINCLER

tribeca

Hasta el 15 de octubre. Mother Gallery, 368 Broadway, Manhattan; 845-236-6039, mothergallery.art.

No muchas exposiciones en galerías se ven tan perfectas como esta. Titulado "Wild Chambers", presenta cinco relieves de pared de cerámica de Julia Kunin, que se especializa en formas ligeramente enloquecidas, a veces barrocas, animadas por el brillo y los colores variados de los esmaltes lustrosos, en conversación con cinco pinturas en relieve de Yevgeniya Baras, que construye líneas y formas en talismanes visionarios algo elevados. La pareja encaja exquisitamente en el modesto puesto avanzado TriBeCa de una habitación de Mother Gallery, cuya base de operaciones se encuentra en Beacon, Nueva York.

Ambos artistas, que viven en Nueva York, utilizan una tensión irresoluble entre lo abstracto y lo representativo como principal fuente de poder en su trabajo. Las superficies compartimentadas de Kunin dan atisbos de ojos, bocas y senos extruidos, mientras que los estallidos de dibujos incisos agregan un segundo nivel de conciencia. Su efecto es a la vez hilarante y primitivo y evoca "La mujer que llora" de Picasso, sin las lágrimas, así como las composiciones divididas de Adolph Gottlieb con un ambiente matriarcal. Estas piezas, que datan de 2015-16, se encuentran entre las mejores de Kunin.

Baras utiliza pintura espesa, pequeños trozos de madera y collage de lienzos para dar vida propia a superficies, formas y pinceladas, al tiempo que recuerda las pinturas de Paul Klee, Forrest Bess y Elizabeth Murray. El cuadro más grande de Baras (sin título, como el resto) podría ser un bebé envuelto o un volcán en erupción. Pero lo que más importa es la energía entrecortada de sus barras y líneas verdes o negras contra los campos más pálidos y agitados de lavandas, azules y tostados. Al igual que Kunin, Baras imbuye los aspectos físicos y formales de su arte con un magnetismo emocional inusual. ROBERTA SMITH

La parte baja al este

Hasta el 15 de octubre, François Ghebaly, 391 Grand Street, Manhattan; 646-559-9400, www.ghebaly.com.

El espectáculo de Rindon Johnson "Cuvier" en François Ghebaly prueba los límites de la pequeña charla entre especies. Obras intensamente formales en vidrieras, piel de vaca y software ofrecen varios tipos de conocimiento (visual y auditivo, háptico e intuitivo) que chocan contra un desconocimiento fundamental. Un alto panel vertical de cuero blanqueado y estirado, por ejemplo, sigue el rastro del trabajo anterior de Johnson en pieles tratadas con productos químicos y golpeadas por los elementos. En el nuevo trabajo, las porciones aligeradas evocan crestas y valles que alcanzan el mar. O tal vez veo una costa porque sé de las ballenas.

Específicamente, el espectáculo de Johnson rinde homenaje a las ballenas picudas de Cuvier. Y para saber esto, debe leer algo: una búsqueda en Google del título del programa, un comunicado de prensa, una reseña, antes de ir. Así: Georges Cuvier, un naturalista francés, estableció la extinción de las especies. Se pensaba que las ballenas picudas que llevan su nombre desaparecieron hasta que los especímenes vivos llegaron a la costa; hoy en día, son famosos por los varamientos masivos. Poco en el espectáculo en sí podría decirle que los paneles luminosos de color azul ahumado en una pieza de vidriera representan una trinchera en aguas profundas donde las pruebas militares indujeron una de las mayores varada de Cuvier hasta la fecha. Un videojuego, desarrollado con Jacqueline Kiyomi Gork, supuestamente permite que dos jugadores conspiren para cazar calamares desde la perspectiva de las ballenas. Desde la mía, me recliné en una silla de juegos, apretando botones y moviendo joysticks mientras dos pantallas borrosas de grisalla emitían pitidos y se movían enigmáticamente. Es como explicar el agua a las ballenas. TRAVIS DIEHL

La parte baja al este

Hasta el 15 de octubre. Maxwell Graham/Essex Street, 55 Hester Street; 917-675-6681, essexstreet.biz.

El arte contemporáneo tiende a no discutir las dificultades de la crianza de los hijos. El raro artista que se atreve a enturbiar las aguas, a mirar más allá de las ideas listas para Hallmark sobre la felicidad de los padres, a menudo se enfoca en el caos de la maternidad y la sangre corporal. (Me vienen a la mente los pañales sucios que Mary Kelly incluyó en su obra de arte feminista o, más recientemente, las espeluznantes fotos de bebés que nacen de Heji Shin).

En "Balances", un espectáculo burlonamente provocativo y lleno de conceptos de la artista de mitad de carrera Ghislaine Leung, la paternidad se trata como algo que exige una precisión diamantina. Visualmente sobrio, el espectáculo consiste principalmente en objetos encontrados: un monitor para bebés, puertas de seguridad para niños, una fuente de agua relajante. El espectáculo también presenta un giro intencionalmente exasperante. Los objetos de Leung se exhiben desde las 9 am hasta las 4 pm los jueves y viernes, los mismos bloques de tiempo durante los cuales la artista puede trabajar en su estudio, sin la carga de las exigencias del cuidado de los niños. Más allá de estos horarios, los visitantes encontrarán la galería abierta, pero vacía.

En una pared, "Hours", un calendario abstracto en blanco y negro que marca el tiempo del artista en el estudio, establece paralelos entre los implacables ritmos de la crianza de los hijos y la inquebrantable austeridad del minimalismo. Los "equilibrios" sin duda les hablarán a los cuidadores que hacen malabarismos con muchos roles. Pero las frustraciones latentes de Leung también resonarán en cualquiera que se sienta derrotado por los estándares del lugar de trabajo que lo dominaron, incluso cuando la pandemia los hizo insostenibles. Este espectáculo desafía las expectativas de que, como buenos miembros de la fuerza de trabajo, debemos mantener ocultos a la vista las tensiones y los factores estresantes de la vida, incluso cuando nos dejan en un aprieto imposible. AMANECER CHAN

La parte baja al este

Hasta el 16 de octubre. Reena Spaulings, 165 East Broadway; 212-477-5006, www.reenaspaulings.com.

La pintura europea estuvo históricamente cargada de grandes tareas: mostrar a Dios creando a la humanidad; representar una visión religiosa, un martirio o una revolución política. Los artistas modernos se encogieron de hombros en gran medida de la llamada "carga de la representación" al adoptar la abstracción, pero la publicidad aún carga con esta responsabilidad, como muestra la artista Jutta Koether en su exposición "TODO CAMBIARÁ" en Reena Spaulings.

A partir de anuncios en The Financial Times, las pinturas aquí extraen los mensajes grandilocuentes y pseudo-sublimes dirigidos a los consumidores adinerados de yates, aviones privados o el nuevo tren ICE de alta velocidad de Europa. Incluyen textos extraídos de estos anuncios, como "El mundo" (2022), que proclama: "Cuando te preguntan de dónde eres. El mundo". Otros trabajos incluyen lugares comunes como "Sueña hasta que sea tu realidad". Sin embargo, en contraste con los anuncios impresos brillantes, Koether pinta en una paleta rosa-roja nerviosa y un lenguaje post-punk garabateado que combina la figuración florida de Florine Stettheimer con las marcas modernas y musculosas de Cy Twombly.

También hay una cualidad burlona en el programa: una versión modificada de lo que solía llamarse "crítica". Después de todo, las clases altas-altas están ganando en la mayor parte del mundo (de ahí el reciente y fuerte aumento de los movimientos sindicales) y la pintura suele acabar en sus manos. La primera pintura de una serie de diminutos lienzos aquí tiene la frase "100 % Malerei" (que se traduce, del alemán, como 100 % pintura), como diciendo: Sí, querido espectador, puedes tener un yate o un jet privado. , pero sigo controlando los medios de producción de la pintura, el producto de lujo por excelencia. MARTA SCHWENDENER

Holland Cotter, Jason Farago y Roberta Smith son críticos del personal.

Dawn Chan, Aruna D'Souza, Travis Diehl, Yinka Elujoba, Blake Gopnik, Will Heinrich, Arthur Lubow, Max Lakin, Siddhartha Mitter, Martha Schwendener, Jillian Steinhauer y John Vincler son críticos contribuyentes.

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